The Strike Blog

Cine: "Los hombres que no amaban a las mujeres" (2011)

2012-01-30T13:19:00.000+01:00

¿Quién no ha leído a estas alturas Los hombres que no amaban a las mujeres, el best-seller del sueco Stieg Larsson? Pues un servidor, sin ir más lejos.

Tal hecho no me ha impedido gozar de lo lindo de la adaptación cinematográfica que ha dirigido David Fincher aunque, a decir verdad, no iba totalmente virgen a la sala: es imposible mantenerse ajeno al fenómeno Millenium y a la fama alcanzada por el personaje de Lisbeth Salander.

Onari y Cosette han leído la novela y las discusiones sobre su calidad literaria, si Lisbeth es un icono feminista aceptable o si Blomqvist es una versión masculina de Mary Sue son más o menos frecuentes. Según comentan, se trata de una adaptación bastante fiel de la novela, por lo que su éxito me sorprende dada la truculencia de algunas escenas del film y la moralidad sexual libertina que promueven ambos protagonistas. Esto último sí ha sido limado ya que, además de entorpecer la trama, el producto está pensado para encajar con el público norteamericano.

Las dos horas y media de metraje están perfectamente aprovechadas. Salen beneficiados los personajes, con quienes se hace fácil conectar pese a sus particularidades, y también una trama muy bien hilvanada en la que, personalmente, no echo nada en falta (sí me ocurre con otras adaptaciones como, por ejemplo, las últimas de Harry Potter, un queso de gruyère narrativo). Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres no deja de ser una simple partida de Cluedo en el seno de la adinerada familia Vanger, por lo que el cómo (la interrelación entre personajes, el poderío visual) prima sobre el qué (solucionar un asesinato, algo que a ratos —con mucho tino— parece carecer de relevancia).

Cristopher Plummer otorga presencia y credibilidad a Henrik Vanger, un patriarca temible pero adorable cuyo carisma logra que sentirse tentado de instalarse en un islucho rodeado de nieve en algún punto perdido de Suecia para investigar un crimen ocurrido cuarenta años atrás no parezca una pésima idea. Daniel Craig construye con aparente naturalidad al periodista tentado, Mikael Blomqvist, un tipo que se dedica a meter el dedo en llagas ajenas —presentarle en el momento más bajo de su carrera profesional es determinante para encender la llamita de la empatía—. Por último, Rooney Mara da vida a Lisbeth Salander de forma convincente y cierra algunas bocas que desconfiaban de su inexperiencia. Ha sido nominada al Oscar a mejor actriz, cosa que la ayudará a defenderse, desde luego.

La mayoría de críticas alaban a Mara; yo también me postro ante su retrato de la torturada, inteligente y vengativa Lisbeth —no era tarea fácil—, pero creo que pasar por alto el trabajo de Craig sería injusto. Una pareja funciona cuando los dos miembros que la forman dan la talla, y es evidente que Salander y Blomqvist desprenden química. Considerando que se pasan la primera hora separados, construyendo sendas historias de forma independiente, es todo un mérito que después funcionen tan bien juntos. Asesinatos, sodomía, violencia de género… irrelevante: sin el nivel de su interpretación (y la del elenco de secundarios) no habría película.

De Fincher adoro unas películas y detesto otras. Tras la (en mi opinión) decepcionante La Red Social, reconozco que tenía las uñas afiladas y ganas de pelea. Sin embargo, a la película solo puedo ponerle un “pero” en la coda, un tanto exagerada; me hubiera gustado que el relato concluyera con la historia de los Vanger (las historias que dejan cierto regusto agridulce suelen ganarse mi favor). Como son ganas de ser puntilloso, la secuencia nace del texto original y, lo más importante, no empaña en lo más mínimo una película magnífica, pospongo mis nimias reservas para los comentarios. En conclusión, Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres es un thriller enérgico, atrayente, bien interpretado y del que, sabiendo que abre una trilogía, tengo ganas de saber más.

¡Saludos!

EDIT: había olvidado hablar de la brillante secuencia de créditos iniciales. Gracias al enlace de McGuffin, podéis verla aquí (mientras dure). Recomiendo descargarla en HD y disfrutarla a pantalla completa con los altavoces a todo trapo :)

"Drive": a real hero, a real human being...

2012-01-22T01:51:00.001+01:00

Cuando una película independiente gana en algún festival de renombre, suele empezar una avalancha de recomendaciones que la ponen por las nubes y en boca de todos ―evitaré toda referencia al gafapastismo para explicar por qué me fío entre poco y nada de lo que se premia en Sundance o Cannes―. Drive fue nominada a la Palma de Oro en Cannes y se llevó el premio al mejor director; después triunfó en Sitges (fuera de concurso). Evidentemente, Sitges no es Cannes... es otra cosa. Sitges es friqui. Sitges mola.

Cuando Drive se coló en la cartelera de Sitges, el nombre que me llamó la atención fue el de Bryan Cranston y no el de Ryan Gosling (fans de El diario de Noah, aullad XD). Aunque parecía apetecible, al final Cos y yo la dejamos pasar por horarios y porque en breve llegaría a la cartelera regular. ¡"En breve"! Tres meses después al fin ha aterrizado en España y todo lo que puedo decir es que maldigo el momento en que decidimos esperar: Drive es uno de los diamantes en bruto que 2011 se guardaba para el ocaso.

Sin dar demasiados detalles sobre el argumento, la película gira en torno a un tema clásico como estar en el lugar adecuado en el momento equivocado. También habla sobre hasta dónde somos capaces de llegar para proteger y ayudar a quienes sabemos libres de culpa... Ryan Gosling lleva con elegancia el peso del relato dando vida a un héroe solitario, sin nombre, parco en palabras, que se ve obligado a forzar su código moral para hacer lo que cree correcto. Su interpretación contenida avanza paralela a una narración tranquila, casi contemplativa, y contrasta con estallidos puntuales de violencia descarnada que salpican la pantalla... literalmente.

Ryan "badass" Gosling

Western, noir o cine de acción de los 80, los referentes se mezclan y crean un todo sólido, superior a la simple suma de las partes donde lo bello y lo salvaje se dan la mano; la riqueza plástica de las imágenes es incuestionable. Lograr que la iluminación de un local de strippers o algo tan hortera como una cazadora de nylon con un escorpión dorado bordado en la espalda rezumen glamour está al alcance de pocos. Otro acierto se da en la banda sonora: temas como “Nightcall” o "A real hero" suenan a nostalgia demodé ―aunque se hayan compuesto hoy―, pero en contexto generan una atmósfera sugerente que atrapa desde el primer minuto.

Drive es una de esas películas que despiertan el interés por toda la gente que la ha hecho posible, desde la novela en que está basada, pasando por su magnífico reparto (los citados Gosling y Cranston, Carey Mulligan, Oscar Isaac, Christina Hendricks, Albert Brooks o el omnipresente Ron Perlman) hasta, por supuesto, su casi desconocido director, Nicolas Winding Refn, cuyo nombre voy a tatuarme en la frente para recordar seguirle la pista… también me tatuaré un escorpión en la espalda, a modo de homenaje :p

Decir que me ha gustado sería redundante, creo. En conclusión: ¡corred a verla! Y si ya lo habéis hecho, ¿qué os ha parecido? ¿Compartís mi pasión por la música ochentera, los bólidos tuneados y las chaquetas de nylon?

¡Saludos!

Humor: "Battlestar Galactica RPG"

2012-01-17T09:32:00.000+01:00

De vez en cuando, en un ataque de autoindulgencia creativa, me permito actualizar el blog con material ajeno. Cuando encuentro algo tan brillante como el vídeo que tenéis debajo, no me cabe la menor duda: ¡¡debo hacerlo!!

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La gente de "College Humor" es la monda ;)¡Saludos!

PD: y este, de regalo, porque tengo debilidad por las coñas con Batman (es un concepto tan patético...^^U)

Cine: las dos caras del espionaje

2012-01-13T00:29:00.000+01:00

Aunque Tom Cruise tiene edad para codearse de igual a igual con los personajes de la novela de John le Carré en que se basa El Topo, él sigue haciendo que el agente Hunt salte por ventanas, se cuelgue de rascacielos, se líe a mamporros con gorilas y, en definitiva, que la "Fuerza de Misión Imposible" nos salve a todos el culo sin que nos demos cuenta. Por cuarta vez. Y sin dobles (o eso dicen).

A mí me parece estupendo, sobre todo cuando para llevar la empresa a buen puerto se rodea de gente con buen ojo (J.J. Abrams, Brad Bird), caras nuevas con gancho (Jeremy Renner, Paula Patton, Léa Seydoux) o no tan nuevas pero igual de atrayentes (Simon Pegg, Josh Holloway) y, lo más importante, toneladas de sentido del humor bien dosificado que hacen de esta secuela la más divertida de la saga. Ojo, un matiz: voluntariamente divertida (no sea que nombréis MI:-2).

Misión: Imposible - Protocolo Fantasma no inventa nada pero todo lo que hace lo hace sin tacha. La esencia de Ethan Hunt desde la primera Misión: Imposible, dirigida por Brian de Palma y adorada por la crítica, se ha mezclado con la de Jason Bourne, vehículo de acción trepidante con (pese a todo) tintes realistas. Este hecho es comprensible a nivel comercial y, además, da estupendos resultados. Como secuela, situó a la tercera un peldaño por encima de esta porque tiene a Philip Seymour Hoffman marcándose un villano viscoso y memorable, algo que aquí han descuidado levemente. Hendricks es peligroso, omnipresente e imprevisible, pero se toman tan pocas molestias en generar empatía hacia él que incluso su discurso de motivación se ofrece en segundo plano mientras los protagonistas juegan a tocarse las narices. De todas formas, la película de Cruise y compañía busca ser un sano divertimento y no el dejar un poso indeleble de sabiduría en nuestras vidas... algo a lo que sí aspira El topo, un rompecabezas en todos los sentidos del término.

La película del sueco Tomas Alfredson se encuentra en las antípodas narrativas y estéticas del esquema hollywoodiense. La ambientación hiperrealista de la guerra fría se regodea en el humo del ambiente y en surcar cada arruga del rostro de señores poco agraciados (afeados, incluso) que llevan trajes grises y debaten en clave sobre la tensión entre ingleses y rusos: Control, Karla, Brujería; todo es críptico en El topo. No se puede desviar la mirada de la pantalla ni un solo segundo si queremos captar ese minúsculo detalle que separa a los agentes del Circus de carcasas sin alma.

En el argumento también se hila fino. Si en MI:-4 complican más de lo necesario la relación entre los diamantes, los códigos y el satélite, luego nos parece un juego de niños al lado de una película donde cuesta poner nombre y apellidos a cada rostro ―uno de los personajes, clave en la maraña de temas que tratan, ni siquiera aparece en plano―. Decir que El topo es exigente es poco: es alienante y puede desesperar por momentos. No obstante, tener paciencia compensa dos horas de metraje que culminan en un final cerrado y satisfactorio (salvo cierto dato que apunta a la trilogía de la que originalmente deriva).

"Si te pillan con las manos en la masa, estás más solo que la una" debe de ser el único axioma que los universos de Ethan Hunt y George Smiley podrían compartir. De este entrada, pues, no van a salir vencedores y vencidos: las dos cintas hablan de poderes en la sombra, pero lo hacen empleando lenguajes distintos (¿opuestos?) para atraer a diferentes nichos de público: Protocolo Fantasma se vende sola; El topo, no, y no me atrevo a recomendarla porque ―incluso creyendo que es una buena película― me gusta mantener a cero mi lista de enemigos potenciales.

¡Saludos!

(edit: como bien nos ha recordado Onari en los comentarios, a juzgar por los armatostes con los que carga tito Tom durante algunas partes de la peli, Apple iPad se ha convertido por derecho propio en el gadget más tosco y con menos pinta futurista jamás usado por un espía. ¡Tecnología secreta puntera, yes!)

"Sons of Anarchy": repaso a la cuarta temporada

2011-12-28T03:11:00.000+01:00

Esta entrada está llena de SPOILERS desde la primera línea. Si no has visto la cuarta temporada de Sons of Anarchy, sigue leyendo a tu cuenta y riesgo.

Mediante la elipsis propiciada por un año entre rejas, los de Samcro hacían borrón y cuenta nueva, forma estupenda de dejar atrás las risibles aventuras en tierras irlandesas. Las piezas estaban dispuestas sobre el tablero de modo que, si era menester, la cuarta fuese la última temporada: nuevos secundarios con el ingenio afilado y la moral a prueba de balas se empadronaron en Charming a ambos lados de la ley para, por si no bastaba con los patinazos de Clay, llevar a la banda de moteros por terrenos inexplorados de la ilegalidad y hacerles la vida aún más imposible. La idea era descender a los infiernos… pero al final la cosa se ha quedado a medias. Ni chicha ni limoná. El por qué la tragedia no se ha desatado en toda su magnitud se debe a algo terrible en según qué circunstancias llamado “renovación”, capaz de jorobar el más perfecto de los cierres a costa de llenar otro poco las arcas de una cadena. Pero a eso iremos después.

La trama se ha movido principalmente entre tres líneas narrativas. Entroncando con la temporada anterior, en la primera de ellas siguen con las cartas de John Teller que están en posesión de Tara y suponen una grave amenaza para la hegemonía de Clay dentro de la banda. Ha estado bien que se mojaran de una vez y por fin cayera alguien de relativo peso en la serie: Piney llevaba tiempo con un pie en la tumba, pero los moribundos eternos (como también lo es Unser) pierden pegada si no llegan a... morirse. Sons of Anarchy se alimenta de amenazas y de la promesa de venganzas sangrientas para avanzar; se materialicen o no, los protagonistas acostumbran a salirse de rositas, salvando la honrosa excepción de Hale (Donna y Half-Sack eran claramente secundarios). Por otra parte, en vistas al final que iban a ofrecer con el cartel mejicano, estaban obligados a quemar algún cartucho si no querían a una audiencia masivamente decepcionada por la falta de garra.

Toda esta línea también ha dejado a Opie como un perfecto idiota: incluso después de que asesinen a su mujer y a su padre, que tarde más de treinta segundos en matar a Clay a sangre fría tiene un pase narrativo justificado por la construcción del clímax, pero que un asesino casi profesional tenga esa mierda de puntería no tiene perdón de dios. En el mismo instante en que ninguna bala alcanza la simiesca cabeza de Clay hasta el más tonto sabe que el tipo, resistente como la mala hierba, sobrevivirá al ataque ―cuando falta coraje para resolver los meollos que Shawn Ryan, Kurt Sutter y compañía se llevan entre manos, los cliffhangers pierden su razón de ser―-. Qué será de Opie en sus cara a cara con Clay y cómo será capaz a partir de ahora de respirar el mismo aire que su enemigo sin estar out of character es algo que se me escapa.

Volviendo a Tara, es un personaje que a veces no sé seguir. Lo primero que a estas alturas aún no entiendo es qué ve en Jax (físico al margen, obviamente); en mi opinión, viven en planos sociales y de inteligencia muy distintos. Además, no acabo de creerme la supuesta epicidad-más-allá-del-bien-y-el-mal de su relación. Quizá el problema es mío porque ella es el tipo de mujer inteligente y con carácter que me gusta pero él me parece un chulito con pocas luces, por mucho que nos repitan una y otra vez cuán "smart" es ―lo cual no impide que deba reconocer al príncipe el haber sido (¡por fin!) digno merecedor del trono durante esta temporada―.

Como decía, en la doctora Knowles conviven el amor y la rebeldía ante el estilo de vida de los moteros. Como muestra, ella misma suelta a la suegra un dolido "...it's the way they treat women. You know what I mean, Gemma". Antes tenía muy claro que Tara estaba por encima de la sumisión y obediencia ciega exigida para ser la "old lady" de un líder motero; ahora ya no lo tengo nada claro... ¿De no haber hijos de por medio habría seguido ahí? Ahora no solo es una consorte, es una reina consorte... Si la Tara de los inicios viera su propia gestión de toma de decisiones en el futuro imagino que se arrancaría los ojos de la rabia. Gemma, por su parte, ha quedado algo desdibujada en el tramo final y tanto cambio de parecer y tanto ardid en la sombra me han hecho perder la pista sobre si quiere a Clay vivo o muerto o si está dispuesta a dejar que su pequeñín abandone Charming de una santa vez. En conclusión, no entiendo a las mujeres de esta serie.

La segunda línea narrativa se centra en la escalada de las actividades ilegales que ha emparentado a los Sons con la crème de la crème de la delincuencia: el cartel de droga mejicano. Ha sido divertido comprobar que la habilidad de Clay para meter la zarpa parece infinita y, en efecto, enrolarse en la causa de Romeo Parada era una pésima elección de la que ya no hay marcha atrás posible ―aunque no por las razones temidas por Jax y Bobby desde un inicio―. El asunto les ha estallado en la cara (sobre todo a Kozik, je) y ha llevado la disensión interna del grupo al cambio de liderazgo. No obstante, lo que se prometía como un final descarnado ha quedado en un chiste, una broma de mal gusto. ¿Machete con la CIA? ¡Venga ya! El único lado positivo que veo a este giro narrativo es que así se explican las cotas de patetismo alcanzadas durante el secuestro/asesinato de Tara: es que en realidad no querían matarla. Ah, pues vale. Por fortuna, en estas resolución no hay islas que desaparezcan del continuo espacio-tiempo ni personajes que se transforman en ángeles; aquí se puede virar el timón e intentar recuperar el rumbo. Hay, por lo menos, otros trece capítulos por delante para convencernos de que esto era lo que debía pasar.

La tercera línea la conforman el ayudante del sheriff Roosevelt y Lincoln Potter, quienes han intentado detener a los miembros del MC cada uno a su manera. La temporada comenzó con Roosevelt heredando el legado original de Hale de echar a patadas a los Sons of Anarchy de Charming. Rockmond Dunbar tiene tanta presencia como Michael Chiklis y ha dotado a la comisaría de la contundencia que nunca debió perder. Sin embargo, se le ha hecho un flaco favor al juntarlo con alguien tan limitado como Juice en todos los sentidos. Me explico: Theo Rossi es adorable pero su formación interpretativa parece salida de la famosa "escuela de las dos caras", popularizada por una generosa lista de artistas marciales. Y sin nada que ver pero totalmente relacionado con el problema, ¿desde cuándo los Sons of Anarchy se definen por parámetros arios? Happy no es la cosa más blanca del mundo (por mencionar a otro), hacen tratos por igual con Mayans y Niners, y juraría que una de las franquicias está formada al completo por integrantes negros. No sé, lo vi sacado un poco de la chistera, una excusa para crear un conflicto que hasta ahora no existía o no habían sabido definir. En cualquier caso, tanto da, ya que al final todo acabó en agua de borrajas; si antes hablábamos de falta de efectismo en los cliffhangers, el lamentable intento de suicidio de Juice se lleva el premio gordo por goleada. Con el puertorriqueño se ha desaprovechado la oportunidad de llevar la tensión hasta las últimas consecuencias como habrían hecho en The Shield, y es una verdadera lástima pues durante su periplo como soplón se lograron escenas de mucha intensidad.

En otro ámbito, centrar los esfuerzos de Roosevelt en la trama del infiltrado ha desviado la atención de su vida personal. Creo recordar que él y su mujer no pueden tener hijos ―corregidme si me equivoco―, situación cuyo freno no lamento visto el trato baratero que suelen recibir las líneas dramáticas con críos de por medio. Lo que sí lamento es que la mujer no recibiera más tiempo en pantalla; se perfila como un personaje interesante y una digna rival para Gemma que servirá para traer aire fresco al repertorio de antagonismos porque, reconozcámoslo, el duelo de amor-odio-respeto con Tara anda ya algo trillado.

Con Lincoln Potter se ha dado otro volantazo en balde. Quien fue presentado como un agente libre de poder ilimitado ha resultado ser otra marioneta en el teatro de la jurisdicción entre agencias: el pobre tipo no sabía de la misa la mitad. El caso estaba cerrado incluso antes de abrirlo. Esta clase de resoluciones tienen un punto de caricatura, igual que el servicio de supuesta "inteligencia" para el cual trabaja, ¡menudo despilfarro de presupuesto público! Otra lástima, ya que con Potter tuvieron el buen ojo de alejarse del retrato forzado en el que acabó sumido la agente Stahl. Ambos están fatal de la azotea pero, en el fondo, Potter no es más que un friki entrañable (y algo cabrón) que solo quiere atrapar a los malos…

Lo que nos trae de vuelta a Clay, a quien siempre he considerado el verdadero villano de la serie. Que el usurpador del trono de los Sons caerá a manos de su hijo adoptivo o de su amada cómplice (y no a causa de la mala puntería del buenazo de Opie) es algo que tengo clarísimo desde la primera temporada. También creí que la entrada de Romeo Parada y la conexión con el IRA no serían más que el catalizador de las emociones de Jax y Gemma, que el tema de "la familia" siempre ha estado ahí y Clay, precisamente, no es familia (que alguien pida a los guionistas que dejen de poner "I'm protecting my family" en boca de Tara, los Teller y básicamente todo dios cada seis minutos, por favor). Si mi teoría es cierta, Clay aguantará como un jabato hasta el final. Cuando él caiga y Gemma afloje las riendas, Jax y su familia podrán abandonar ese limbo vital llamado Charming. Por eso Clay todavía no podía borrarse de la ecuación, porque Sons of Anarchy tiene cuerda para al menos una temporada más. Esta decisión representa un escupitajo en la cara a lo que podría haber supuesto un cierre de campanillas, pero era totalmente necesario (el escupitajo) si quieren ser coherentes con el leit motiv de la serie: familia, traición, venganza, ¡Hamlet!

Pese a lo dicho hasta aquí, la cuarta me ha parecido una temporada sólida que únicamente ha flaqueado en el tramo final como consecuencia de la imposición de estirar el relato. Tomar este camino ―que, compartamos o no, todos comprendemos― juega en perjuicio de la energía acumulada, que se disipa una vez más. Pero hablamos de Sons of Anarchy, de guionistas que han alcanzado el clímax con nazis, irlandeses y mejicanos por igual, conque no es descartable que en la quinta temporada vuelvan a conseguir una atmósfera donde la tensión en el ambiente se pueda cortar con un cuchillo. En conclusión, ¿yay o nay? Yo lo tengo claro, "yay", al menos por una tanda más. ¿Y vosotros?

Si en Once Upon a Time se quedaran sin bruja...

Otras consideraciones:
1) Tig, Chibbs y Bobby tienen un carisma arrollador y muy buen hacer ante las cámaras. Sin ellos y el resto de la banda casi al completo sería imposible ver esta serie.
2) Kart Sutter se ha regalado a sí mismo un par de escenas caramelo con Otto.
3) En cambio, Ronnie Gardocki y David Aceveda (por llamarlos de algún modo), han aparecido de forma poco memorable (snif!). Danny Trejo, correcto, y David Hasselhoff, con buen humor.
4) Leo artículos donde se discute la moralidad de la serie. En mi opinión, tengo muy claro que son una panda de cabrones (Jax y Opie podrían salvarse de la quema porque han crecido ahí y no conocen otra cosa); lo mejor que podría pasarle a Charming es que el caso RICO prosperara, los enchironaran a todos y la ciudad saliera de la Edad Media.

Marchando una de frivolidades:
1) No soy ni remotamente shipper, pero Gemma y Tig echan chispas cuando se quedan solos...
2) ¿Soy yo o en esta temporada se han pasado un poco con la cantidad de mugre que le echan a Bobby?
3) Que despidan de inmediato, por favor, al director de vestuario responsable de calzar a Jax con zapatillas blancas en una serie de moteros.
4) Llevo toda la serie arrastrando una duda. Gracias al plano final de esta temporada, se ha solucionado: Gemma no es motera, es gótica :p

¡Felices fiestas a todos!

"Un método peligroso", la procesión va por dentro

2011-12-05T12:26:00.001+01:00

Tras Una Historia de Violencia y, sobre todo, la vibrante Promesas del Este, no podía perderme latercera colaboración entre David Cronenberg y Viggo Mortensen. Saber que lapelícula trataba sobre Freud, Jung y el psicoanálisis me hizo dudar ―no meapasionan los biopics―, pero sentía curiosidad por averiguar cuál iba a ser elenfoque empleado por el director canadiense para abordar un tema tan delicado.

Como ya ha señalado la crítica, Un método peligroso es la películaformalmente más convencional de Cronenberg hasta la fecha. En primer lugar,está basada en hechos reales (no tengo claro hasta qué punto): narra larelación que se estableció entre Carl Jung y Sigmund Freud a través de SabinaSpielrein, paciente del primero tratada mediante “psiqueanálisis”, hecho que llevóa ambos doctores a conocerse en persona en Viena y desarrollar conjuntamente loque daría pie a la teoría psicoanalítica moderna. En segundo lugar, la películahuye de flashbacks absurdos de la infancia de Sabina, delirios visuales o abusogratuito de la sexualidad, tentación a la que otros directores sin duda habríansucumbido al tener entre manos un material tan corruptible como la teoríaFreudiana del deseo sexual reprimido. Su origen teatral tal vez tenga algo quever con esta calma que, por otra parte, contempla con pavor cómo lo inmoral (eldiscurso de Otto Gross, un inmenso Vincent Cassel) se abre camino a machetazosentre tanta normalidad ―que nadie espere orgías entre nubes de opio, porfavor―.

Un método peligrosopuede pasar por ser fría, aséptica o críptica. Quizá sea así, pero su sobriedad es coherentecon el retrato de aquello que sus personajes viven en una época muydeterminada. La contención de la propuesta está ensalzada por las actuacionesdel trío protagonista. Keira Knightley hace el histrión menos de lo esperadocomo Sabina Spielrein y, a medida que avanza el metraje, gana peso a fuerza deconstruir su personaje con matices que hacen de ella alguien atrayente, dignade enfrentarse a los pesos pesados que son el emergente todoterreno Michael Fassbender (Jung) y ViggoMortensen (Freud), quienes también se baten en un duelo interpretativo dondelas miradas y los silencios están cargados de significado. Insumisión, represióny ego (pertinentes), compromiso, roles invertidos, recelo entre clasessociales, temor al futuro que acecha a Europa… todo está ahí sin resultarobvio, ayuda a que la película fluya, se nos haga corta ―lo es― y nos quedemoscon ganas de más.

Festival de Sitges 2011

2011-10-03T11:10:00.001+02:00

La gran cita anual paralos amantes del cine fantástico, el Festival de Sitges, me coge este año desprevenidoy, a tan solo unos días de su ceremonia de inauguración (este jueves, 6 deoctubre), no tengo demasiadas referencias sobre lo que puede o no valer la pena.Si queréis indagar por vuestra cuenta, tenéis el listado oficial de películas en esta página, desde donde también podréis descargar en pdf el programa de mano con loshorarios.

Ojeándolo por encima meha interesado Eva, ficción española encabezada por Daniel Brühl, Marta Etura yAlberto Ammann, con la que se espera competir en un género que por presupuestoy ambición suele resultarnos algo esquivo. Siguiendo con la ciencia ficción hevisto Another Earth, una cinta americana que trata sobre la existencia de un multiverso (McGuffinla reseña aquí); es independiente, así que nadie se imagine ejércitos de clones…Por supuesto, buscando si había algo de Park Chan-wook he topado con elcortometraje Night Fishing y con la reposición gratuita de Thirst, elacercamiento de este personal e interesante director al mito de los vampiros. Siguiendocon cine asiático, hay un documental de Kim Ki-duk sobre su propio procesocreativo que, aunque sé que no lo veré, no deja de llamarme la atención. Lo queno hay o no he sabido encontrar es algo del brillante Johnnie To (lo que nosignifica que no haya otro film coreano de bandas que nos deje con la bocaabierta) ni una película de animación de las que quitan el hipo. Por lo tanto, seguimosun año más sin la tercera entrega de la revisión de Evangelion…

Dentro de terrenos máscomerciales están The Tempest, la adaptación raruna del homónimo de Shakespeare(vale, quizá no sea tan comercial); Contagion, el viral de Soderbergh, y Jane Eyre, la enésima adaptación de la novela de Charlotte Brontë, esta vez con Mia Wasikowska y el magnético Michael Fassbender y Cary Fukunaga tras las cámaras. Ahora sí, a partirde este punto dejo la búsqueda enteramente en vuestras manos (espero que siveis algo interesante lo reseñéis en los comentarios…).

Casi todas estas películasllegarán a las pantallas nacionales en cuestión de semanas o un par de meses, yteniendo en cuenta los horarios imposibles del festival entre semana y ladificultad para desplazarse hasta allí sin vehículo propio (el Tren Fantàstices una buena iniciativa pero también una ayuda relativa: sigues quedándote tiradoen la estación de Sants a las 2 de la mañana), es posible que si paso por Sitges solo sea paratomar unos nachos en el bar Colonial mientras disfruto del ambiente… We’ll see,como siempre.

¡Saludos!

PD: Los carteles dan grimilla,eh? Bienvenidos al valle inquietante XD

Meme 101: TV series & others

2011-09-11T17:38:00.000+02:00

Pese al reinicio pre-otoñal de series, no espero tener nada nuevo conlo que actualizar el blog durante unos días. Por esa razón aprovecho para abrirla caja de Pandora y... ¡responder a un meme! Las preguntas son cachondas,refiriéndose al fandom como si se tratara de un colega o un rollo pasional. Enrealidad, es una excusa tan válida como cualquier otra para hacer memoria yrecomendar (o rajar de) series y libros. Lo saqué del Live Journal de Cosette; si osinteresa ver qué contestó ella no tenéis más que pulsar este enlace (susrespuestas son muy distintas a las mías, vale la pena que os paséis por ahí). Venga, al tema:

The one who seduced you, screwed you over, broke your heart in a millionpieces, and laughed about it:

Me atrajo con aventura y me sedujo con misterio. Me susurró promesasal oído y me arrastró a la cama con facilidad. No fue hasta el momento de laverdad cuando descubrí que... ¡era un travesti con una herramienta de palmo ymedio! Menudo chasco. Sí, claro que hablo de Lost. La verdad es que ahora no sela recomendaría a nadie (aunque se ha convertido en una fuente inagotable decarcajadas: me río DE ella).

The old flame you don't see very often any morebut whom you still really enjoy getting together with for a few drinks andmaybe a pleasant nostalgic romp:

Esta es fácil: mi afición por el anime en general. Ya no lo consumo deforma regular, pero sigo tragándome Dragon Ball cuando pillo por casualidad uncapítulo en re-re-re-reposición, se me cae la baba por los dos lados conpelículas puntuales (las más "recientes", Ghost in the Shell 2 y losnuevos ova de Evangelion) y disfruto como un enano del Ghibli anual.

The mysterious dark one whom you used to sit upwith talking until 3 AM at weird coffee houses and with whom you were quite smitten until yourealized s/he really was fucking crazy:
"¡No has visto nada como esto, dude!", decía yo,entusiasmado, mientras recomendaba Misfits a todo dios y repartía copias amansalva de la S1 como si fuese una cruzada personal. Y llegó la S2. No sé sila falta del factor sorpresa reveló sus costuras, si se perdieron los toques deterror (el primer asistente social infectado), si la línea entre genialidad y locura era demasiado fina (eltío que vive la vida como un videojuego o el villano de la leche... literalmente :p), si no supieron desarrollar bien a los personajes o fue otracosa distinta. Lo que sí sé es que meter un ship con calzador y convertirlo enuna línea principal de peso fue una cagada sin parangón (Simon/Alisha,seriously?). Pero lo que es auténticamente fucking crazy es seguir esta seriesin Nathan.

The one you spent a whole weekend in bed withand who drank up all your liquor and whom you'd still really like to get withagain, although you're relieved s/he doesn't actually live in town:
Podría decir Firefly (Whedon se la habría acabado cargando), pero seré un pocomenos friki-troll y diré Friday Night Lights. En mi opinión, superaron con elegancia el arriesgadocambio de escenario de la S3 (que tuvo un cierre en toda regla por si no eranrenovados) a la S4, logrando que durante otras dos temporadas nos encariñáramos concaras nuevas, que la vida en Tejas fuera tan intensa como al principio y, ei,hasta que Riggins conectara una frase entera, con verbo y todo. Sin embargo, creo quecontaron todo lo que tenían que contar (de hecho, en alguna línea ya patinaron:¡maldita Julie, menudo esperpento de hija, Coach!), dejando un balance de notable alto. Para mí esuna de las grandes.

The steady:
Sin ninguna duda, The Shield, la mejor serie del universo universal,excelente durante sus siete temporadas. Jamás bajó el listón.

La hostia en vinagre

The alluring stranger whom you've flirted with at parties but have nevergotten really serious with:
Sí que me pongo serious con ellas, pero las series HBO en general requieren unaexigencia inusitada. Con todo el tiempo que ha pasado, siguen pendientes laúltima de Deadwood, la segunda de Carnivàle, las últimas de The Sopranos y todo The Wire exceptuando la primera. ¿Son malas? Muy al contrario. ¿Me da pereza verlas? Noexactamente, sino que hay que estar de un ánimo determinado para verlas porqueson (positivamente) agotadoras, un ánimo sesudo y gafapastoso que sueleabandonarme entre semana. Últimamente veo mucha comedia, aunque...

The one you hang out with and have vague fantasies about maybe having athing with, but ultimately you're just good buddies:
Últimamente veo mucha comedia, aunque no melas tomo demasiado en serio, ¡son comedias!:p How I met your mother, The Big Bang Theory y un largo etcétera se van colando entre mi parrilla semanal, perono despiertan en mí el ánsia de devorar capítulos. De hecho, a algunas como The Office o Modern Family les doy una estocada mortal sin demasiadascontemplaciones en cuanto me doy cuenta de que las veo con piloto automático,sin interés real, por ocupar con "algo" la media hora de la cena. Laexcepción a esto es la sensacional Community, de la que hablo más abajo.

The one your friends keep introducing you to and who seems like a hell of acool person except it's never really gone anywhere:

Aquí coincido con Cosette: Supernatural.
Onari y Nahum (hace poco, también Reaver) han hablado largo y tendidode sus virtudes. Por ellos lo he intentado con más paciencia de la habitualpero soy incapaz de pasar del capítulo 15. Dean y Sam tienen química, megustan; supongo que el concepto de "monstruo de la semana" y unoscasos tan poco currados (y repetitivos) pueden conmigo.

The one who's slept with all your friends, andyou keep looking at them and thinking, "How the hell did they land allthese cool people?":
Estoy hasta el moño de vampiros adolescentes, guapos y absurdos. O de vampiros adultos buenorros e igualmenteabsurdos, tanto da. Aborrezco True Blood y The Vampire Diaries ya desde elconcepto. De la primera no superé medio piloto (por mí, ella y Alan Ball puedenarder en el infierno), y la segunda es un fanfic chapero y patético deCRAPúsculo. Blergh.

Esto parece un anuncio de colonia...

The one who gave you the best damned summer of your life and against whomyou measure all other potential partners:
The Shield. Obviously.

The one you recently met at a party and would like to get to know better:
En esa fiesta me tomé unas copas con laprimera de The Wire y hemos quedado para algo más serio cuando los dos tengamostiempo (el timing es esencial con las relaciones duraderas ;p). Luego un par deamigos me presentaron a unos tales Walter White y Jesse Pinkman; parecían genteinteresante.

The old flame that you wouldn't totally objectto hooking up with again for a one night romp if only they'd clean up a bit:
Vuelvo a tomar la palabra a Cosette, pero esta vez con matices: Fringe.

Sabiendo de qué va y de quién viene, no me permito tomármela en serio(no haré algo que ellos mismos no hacen). Tiene momentazos y golpes deauténtico genio, pero sé que me la meterá doblada en cuanto me agache paracoger el jabón. Es una lástima porque va sobradísima de potencial...

Your hot new flame:
¡¡¡Community!!! Jamás imaginé que una comedia me llevaría tan decabeza. Es brutal, cada capítulo es una vuelta de tuerca sobre la vuelta detuerca, un derroche imaginativo sin parangón con un reparto en estado degracia. Eso me da un miedo que te cagas, claro: ¿se puede mantener el nivel deesta manera? En nada, la S3. Comiéndome las uñas la espero.

The one who stole your significant other:
Battlestar Galactica me ha cambiado la vida.La mía y la de mi novia. O, más bien, la de mi novia y, por efecto rebote, lamía... Pero no lo ha hecho por ser una serie de calidad, no. Ni por haberrevolucionado el género de la ci-fi, tampoco...

Por culpa de esta condenada serie he tenido la enorme desgracia desaber infinitamente más de lo que nunca quise sobre fanfic y ships/slash/pairings/su madre, dosde los tres fenómenos fandom que menos entiendo y además no me interesan (eltercero son las groupies). Pero that’s ok. You know why? Porque tengo trespensamientos positivos al respecto:

1. El saber no ocupa lugar.

2. Lo que no te mata te hace más fuerte.

3. “Lo que hago por amor...” XD

¡Hasta aquí mi meme! Me hubiera gustado dedicar unas palabras a Sons of Anarchy, Justified, Luther, Game of Thrones e incluso a Rookie Blue, series a las que hededicado tiempo durante estos meses. Con un poco de suerte encontraré unmomento para ellas.

¿Os animáis a responder vosotros?

¡Saludos!

Lo que se avecine: "Los hombres que no amaban a las mujeres", "Tinker, Tailor, Soldier, Spy" y "The woman in black"

2011-09-02T02:27:00.001+02:00

¡Septiembre viene cargadito de novedades!Novedades que, por cierto, no voy a comentar. ¿Qué diría si lo hiciera? ¿Que alfinal iremos nos tragaremos Cowboys & Aliens aunque sepamos que a duras penas nos hará pasar un rato entretenido? ¿Que La piel que habito tiene una pintabizarrísima y si no fuera de Almodóvar seguiría en forma de guión en el cajóndel escritorio de una productora de barrio? (¡Onari, di que sí!) ¿Que no veremos El árbol de la viday perderemos la oportunidad de salir del cine siendo más inteligentes? ¿Que Los amos de Brooklyn llega con retraso y nos gustará menos que Training day? ¿Que no hace ni falta verel trailer de Arriety porque todo lo que produce Ghibli es arte? ¿Que José Coronado tiene presencia y el magnetismo que necesita nuestro cine y No habrá paz para los malvados es un título con gancho?

Pero nada de esto voy a decir pues, comosabéis, utilizo esta sección (hoy en día a todo se le llama sección…) paraenlazar trailers que me han interesado o llamado la atención, sin tener encuenta que a veces falten meses para su estreno. Hoy os traigo tres títulos:

The girl with the dragon tatoo, adecuadamenteconocido por estos lares como Los hombres que no amaban a las mujeres, primerlibro de la saga "Millenium". Lo que acabáis de ver es el primer trailer del remakeamericano dirigido por David Fincher. A los que comentan por internet que desvela demasiado les digo que no, que si no has leído los libros todolo que ves es un montaje videoclipero que transmite mal rollo (el trailer es explícito: "The feel bad movie of Christmas") y una atmósferamuy conseguida, efectos potenciados por una elección musical perfecta. Ahorafalta que la película esté bien (estreno en España en enero de 2012).

Otra adaptación literaria. El afortunado esJohn le Carré, cuya novela Tinker, tailor, soldier, spy ya fue serializada afinales de los 70. Bajo el poco sugerente nombre de El topo llegará anuestras pantallas en diciembre una nueva versión dirigida por Tomas Alfredson(al que recordaréis por la sueca Déjame entrar) con un reparto de lujo: Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy, Benedict "Sherlock" Cumberbatcho Mark Strong, entreotros (¡Mark Strong! Fijo que el topo es él XD). Hay un nuevo trailer queexplica más, pero prefiero este precisamente por lo contrario y, de nuevo,por un tema musical sugerente. Tiene una pinta magnífica, ¿no creéis?

Si Daniel Radcliffe logra o no deshacersefinalmente de Harry Potter, nadie podrá recriminarle la falta de riesgo y esfuerzo.A su paso por el teatro (Equus, How to succeed) le sigue The woman in black,la tercera adaptación literaria de hoy. Un carillón disonante, paisajesfantasmagóricos, primeros planos de muñecas y no hace falta que llegue elsusto: yo ya estoy cagado de miedo. Trailers como este me recuerdan a lajaponesa The Ring… no se me ocurre halago mayor.

¡Saludos!

"La boda de mi mejor amiga": chick flicks don't have to suck!

2011-08-29T16:23:00.000+02:00

A Annie (Kristen Wiig) le hace mucha ilusión que Lillian (Maya Rudolph) se case y le haya pedido ayuda para organizar la boda. Pero mientras a su amiga de la infancia las cosas parecen irle sobre ruedas, la vida de Annie es un desastre: no levanta cabeza desde que su negocio de repostería se fue al traste y su vida amorosa se resume a dejarse echar polvos por un tío con fobia al compromiso. Decidida a que los preparativos de la boda salgan perfectos, entrará en escena Helen (Rose Byrne), una amiga pija de Lillian dispuesta a todo con tal de ser el centro de atención.

Emociones a flor de piel, reencuentros, dudas existenciales, conflictos, alcohol, celos, amistad, amor, desamor... Las bodas y la parafernalia que las rodea son el caldo de cultivo ideal tanto para drama como para comedia. Hace un par de años nos encasquetaron un bodriete al servicio de Patrick Dempsey llamado La boda de mi novia, título absurdo (Made of Honor, en el original) que buscaba aprovecharse del eterno tirón de la película de Julia Roberts. Supongo que, con una idea similar en mente, Bridesmaids nos llega "traducida" como La boda demi mejor amiga. Sin embargo, una gran diferencia respecto a la tontería del Dr Macizo es que a esta comedia le sobran méritos para triunfar por sí misma.

Annie es inteligente, impulsiva, divertida, honesta y penosa a la par que adorable. Mete la pata, se disculpa y la vuelve a pifiar, sin que eso haga de ella alguien detestable; al contrario, resulta una personaje complejo y bien construido por quien nos preocupamos genuinamente. Solo por ella uno vería con gusto las dos horas que dura la película. Por ella y por Megan (Melissa McCarthy), la cuñada de Lillian, una tía directa y sin complejos, eje de gags absurdo-físico-escatológicos desternillantes que la han hecho merecedora del sobrenombre de "la Galifianakis femenina". Como añadidos, Rose Byrne encarna a la villana de la función y Chris O'Dowd al improbable galán del nuevo milenio (en ese sentido estamos ante una película poco empalagosa, no sufráis). Para completar al sexteto protagonista tenemos a Becca y Rita. La primera es una prima recién casada de Lillian, enamorada de su marido y emocionada ante la perspectiva del matrimonio. De la segunda, bueno, digamos que un marido al que aborrece y dos hijos adolescentes le dan un punto de vista algo diferente... Ellas dos pierden fuelle a medida que avanza el metraje para cedérselo a la trama principal (Annie, Lillian, Helen) y al huracán Megan, una robaescenas de lujo.

Lamentablemente, La boda de mi mejor amiga tiene poco gancho comercial a este lado del charco. Hay que estar muy metido en la comedia americana actual para sentirse atraído por el elenco de actrices (Maya Rudolph es la cara más reconocible por anteriores productos del sello Apatow), o tener interés por los coqueteos con el cine de una cantera eminentemente televisiva. Además, la etiqueta "solo para mujeres" que equívocamente rezuman las promos no hace sino ahuyentar al público potencial de la película que, espero, sea salvada por las buenas críticas que ya ha recibido y el boca a boca de fuentes 100% fiables... como "The Strike Blog". Ahora mismo, para echaros una buena sesión de risas con la mejor comedia podéis elegir entre ésta y Linterna Verde. Yo de vosotros no me lo pensaba.

¡Saludos!

PD: antes de que alguien se decida en serio a tirarme piedras, aclaro que la coletilla del título está sacada de una de las slogans promocionales de la película (que yo esté de acuerdo o no es otra historia XD).

"Super 8", regreso al pasado

2011-08-26T02:25:00.000+02:00

Casualmente atisbas dos nombres en un poster: Steven Spielberg y J.J. Abrams. Uno de los directores que contribuyó decisivamente a cambiar la concepción del cine colaborando con el hombre que ha hecho lo propio con las series de televisión es un punto de partida prometedor. E investigas. Descubres que juntos han creado Super 8, una película que, según ellos mismos afirman, pretende rescatar el espíritu de las cintas de aventuras de los 80, evocando ya desde el título un sentimiento de nostalgia por aquella época. El diseño del poster, ilustrado a mano, también es toda una declaración de intenciones pues tras él está Drew Struzan, responsable de imágenes tan icónicas como las de Indiana Jones, Star Wars, Blade Runner, Regreso al Futuro, Los Goonies, E.T y un largo etcétera. El envoltorio está trabajado, es evidente, ¿pero qué hay de la película?

En ella se nos cuenta cómo un grupo de amigos está rodando un corto sobre zombies para participar en un festival de cine. Al conseguir que Alice, la chica guapa de la clase, decida ayudarles e interpretar un papel, ya pueden filmar las secuencias que faltan. Esa misma noche se escapan para rodar y son testigos inesperados de un terrible accidente que nunca deberían haber presenciado... ¡Y hasta aquí puedo contar! Los chicos, novatos o poco conocidos, desprenden química y sus interacciones son muy divertidas (Cary, el muchacho de la ortodoncia, es la repera). Se nota que Spielberg y Abrams se identifican con las vivencias de estos chavales y, probablemente, hayan colado más de un dato autobiográfico. Alice, interpretada por Elle Fanning ―quien sí tiene un currículo dilatado pese a su edad―, da muestras de que podemos estar ante una futura estrella; las figuras adultas, con Kyle Chandler como nombre destacado, cumplen con sus respectivos cometidos. Finalmente, la historia está contada con una buena dosis de oficio y, sobre todo, con cariño y simpatía.

Pese a las alabanzas, estamos ante una película imperfecta a la que se le pueden achacar algunos elementos: falta de originalidad (esto es tan discutible en cualquier contexto...), personajes estereotipados (ese padre rudo que en el fondo es todo amor ―realmente parece un reflejo del Coach Taylor, je―), tópicos situacionales (drama familiar, huidas y reencuentros), elementos cogidos con pinzas (el accidente, el modus operandi militar, la cinta del Dr Woodward, los cubos, la guarida, los abducidos) y... es cierto. Todo está ahí y a los puntillosos les dolerá. Yo suelo contarme entre los que le buscan los tres pies al gato y enumero las mil incoherencias de una película, aunque ésta pertenezca al género fantástico. Sin embargo, creo que Super 8 supera con nota el reto que se había autoimpuesto de recuperar una forma de hacer cine y de contar una historia de crecimiento, de superación de miedos mucho más aterradores que cualquier monstruo creado digitalmente.

Precisamente ahí estén, tal vez, los enemigos más serios de Super 8: no sentir nostalgia por lo que nos quieren contar o no tener catorce años para ponerse en la piel de estos niños y ver la vida como ellos lo hacen. Son obstáculos subjetivos, sorteables, pero a más de uno le echarán de la película, lo cual sería una lástima porque Super 8 es una gozada de principio a fin.

Otras consideraciones:

* La secuencia final es perfecta, emotiva y bellísima.

* Los títulos de crédito son imprescindibles, carta de amor al medio y cachondo broche de oro para una gran experiencia cinematográfica.

* Abrams me gusta más en cine que en televisión. En dos horas sus historias se benefician de una concreción que ya hubiéramos querido algunos para Lost (lo siento, se ha ganado una colleja perpetua :p).

¡Saludos!

¿Leggings? No, mallas.

2011-08-22T04:36:00.001+02:00

Repesco la actividad bloguera con una cuádruple reseña superheroica: X-Men: Primera Generación, Linterna Verde, El Increíble Hulk y Capitan América, el Primer Vengador.

El director Matthew Vaughn acertó de pleno al elegir a James McAvoy y Michael Fassbender para encarnar a unos jóvenes Charles Xavier y Erik Lensherr en X-Men: Primera Generación, el relanzamiento de los mutantes. Con el talento de ambos actores al frente del proyecto, un guión decente y su buen hacer tras la cámara (probado en Layer Cake, Stardust y Kick-Ass), la diversión estaba garantizada. El arranque de la cinta confirma la expectativa gracias a una presentación de personajes excelente: Charles, joven, con pelo y a dos patas, sorprende por su frescura; Erik, víctima de experimentos nazis convertida en cazador, acepta la ayuda de su futuro antagonista y se adueña de cada secuencia en la que aparece ―digo esto teniendo en cuenta que McAvoy lo clava, conque imaginad―. El reclutamiento de los mutantes también es ejemplar (mención especial para la escena en el local de striptease y un divertido cameo), tanto que podríamos pasar horas admirando la camaradería entre Charles y Erik pero, por desgracia, todos sabemos que en estas películas llega un momento en el que los mutantes deben darse de hostias.

Kevin Bacon cumple como Sebastian Shaw, líder de un grupo de villanos de irregular carisma (Emma Frost, Azazel y el actor español al que entrevistan en todas las revistas nacionales como si su personaje fuese relevante) que buscará ampliar sus efectivos explotando las contradicciones de los alumnos fieles a la causa de Charles Xavier (Mística, Bestia, Angel Salvadore, Banshee, Caos y Darwin). Los enfrentamientos entre adultos tienen miga porque se basan en lo personal e interesa ver cuándo Erik dará el paso definitivo hacia el lado oscuro pese a los esfuerzos de Charles por impedirlo. Los jóvenes, salvo Mística y Bestia, están poco desarrollados y se nota que están ahí para cubrir el cupo y reforzar la idea de supergrupo conflictivo, el germen de la futura escisión entre mutantes. Aunque ellos no están a la altura de los protagonistas, cada uno tiene un pequeño momento de gloria que contentará a los aficionados.

Siempre es divertido ver cómo las películas basadas en comics se las apañan para distanciarse de la fuente a la par que la homenajean. En el caso de adaptaciones de superhéroes, los uniformes son una de las causas de discusión más frecuente: ¿cuero negro o lycra amarilla? Aquí salen airosos al enfundar al grupo en una especie de mono de aviación amarillo y negro la mar de digno, respetando los colores que dieron fama a los mutantes en sus inicios. Donde la lían es en soluciones visuales como la caracterización de Bestia, propia de un bicho peludo de Barrio Sésamo, o en colar el traje de Magneto sin razón alguna, con casco tintado de rojo y todo, inconsistente con la contención y sobriedad del vestuario de Erik Lensherr. Personalmente, me sorprende cómo conviven un estilismo y ambientación que recrean con mimo los años 60 con recursos algo horteras como los ya citados. También es curioso que el guión juegue con las tres entregas previas de X-Men al guiño y la referencialidad (Azazel y Rondador, Mística y Xavier), pero en otras cosas se cargue la hipotética continuidad (Bestia, la edad de algunos personajes) sin que haya un criterio aparente para ello, evitando así ser catalogada como secuela, precuela o reboot. Lo importante es que, pese a la obvia relación entre sagas, X-Men: Primera Generación es una película colmada de aciertos que puede disfrutarse como una unidad independiente; tras X-Men 3, tirando a floja, esto ha supuesto el resurgir inesperado de los mutantes y, esperemos, el nacimiento de una interesante franquicia.

Con la distinguida excepción del Señor de la Noche, la oferta de tipos en mallas ofrecida por DC Comics nunca me ha atraído. Sin embargo, como en DC se han decidido a imitar el éxito de Marvel adaptando las historias de sus personajes a la gran pantalla y es más fácil ver una peli que leer veinte comic-books, decidí dar una oportunidad a su primera apuesta seria de la nueva hornada: Linterna Verde. Me enfrenté a la historia en estado totalmente virgen, pues poco sabía a parte de que un anillo otorga poderes a un tipo normal y corriente... y poco más hay, la verdad.

Ryan Reynolds da vida a Hal Jordan, el primer humano a quien se concede el honor de formar parte del cuerpo de Linternas Verdes, un ejército de miles de miembros que mantiene la paz en el universo gracias al poder de unos anillos que canalizan la fuerza de voluntad, que está representada por el verde, color de sus trajes energéticos, del anillo y el botijo de poder que lo alimenta, de sus ataques especiales, de su planeta y de demasiadas cosas. ¡Sale verde por todas partes! Lo bueno es que los guionistas se toman este detalle con cierto cachondeo y hacen chistes a costa de ello en un par de ocasiones. "Siempre había soñado con ser un policía interestelar... verde" afirma Hal en uno de sus recurrentes momentos chistosos. Hay cosas que quedan estupendas en comic pero de pena en pantalla, algo que los responsables de arte de esta película probablemente han olvidado; entre eso y que los FX cantan bastante, el aspecto visual de la cinta es infantil (en el mal sentido) y un poco de vergüenza ajena.

El carácter ligero y follarín de Hal, que recuerda al Tony Stark de Robert Downey Jr (aunque a años luz de este), ha disgustado a los fans del personaje. Aquí se le describe como un tipo esencialmente irresponsable con una facilidad asombrosa para huir en cuanto se le aprietan las tuercas: sin lazos, sin complicaciones. Su familia sale dos minutos al principio como gente por la que en el fondo se preocupa (un sobrinito adorable) para luego olvidarse totalmente de ellos; la churri florero de turno (Blake Lively, pobre) intenta echarle un cable hurgando en sus traumas infantiles y Hal sale por piernas; los Linternas le dan un poder que él rechaza de plano en cuanto las cosas se complican un poco... Según he leído, Hal Jordan es un hombre profundo y reflexivo, alejado de este patrón de "superhéroe por accidente", así que entiendo la frustración de sus seguidores. También sale un tipo (Peter Sarsgaard) que inspira más lástima que otra cosa tan pronto analizas su situación (despreciado por su padre, ignorado por la chica que por supuesto está coladita por Hal), pero en su lugar simplifican los hechos y le convierten en un villano de tres al cuarto. Y hablando de Roma, sale Mark Strong, un líder Linterna Verde especializado en discursos moralistas inspiradores... ¡pero es Mark Strong! Y aquí no acaba la cosa: tiene la piel rojo demonio, está interesado en controlar el poder del anillo amarillo (verde es a voluntad como amarillo es a miedo) y, tío, ¡se llama “Sinestro"! Lo dicho, que con tanto dato alarmante cuesta pensar en otra cosa.

Cuando acabé de verla me pareció potable para pasar el rato. Sin embargo, a medida que pienso en ella me parece cada vez peor. Como no he leído el comic (y a juzgar por el enfado de los fans) quiero pensar que sencillamente es una adaptación terrible, lo peor que ha dirigido el hasta ahora siempre solvente Martin Campbell.

A vueltas con el verde, ¿quién querría ver una película sobre un monstruo verde que sufre hipertrofia, retraso mental y que básicamente se dedica a destrozar cosas? Lo habéis adivinado: nadie. Edward Norton es un tío listo y lo sabe, así que la mayor preocupación de su Bruce Banner es que Hulk aparezca lo menos posible en pantalla y el interés de los espectadores se centre en las circunstancias y problemas que rodean al científico.

Como si la versión duermepiedras de Ang Lee jamás hubiera existido (ojalá fuera así), Louis Leterrier rueda con buen pulso una historia de huída, de búsqueda de una cura que acabe para siempre con la bestia que Bruce Banner lleva en su interior. Como la película no es novedad, no me extenderé en comentarla. Yo la vi con afán completista para encajar todas las piezas de la futura The Avengers (me falta Thor), sabiendo que la opinión crítica se dividió y que Edward Norton discutió con Warner Bros y no retomará el personaje (en su lugar estará Mark Ruffalo). Esto y el director elegido me hicieron pensar en su momento que la película sería totalmente palomitera, un batiburrillo de acción sin sentido. Sin que la cosa sea un tratado filosófico (no nos pasemos), el enfoque que le dan me parece adecuado teniendo en cuenta lo difícil que es el personaje. El villano se perfila poco a poco desde la primera secuencia, beneficiándose de que Tim Roth nos regale otro de sus papeles desquiciadillos y en general todo está en su sitio. Ahora tengo curiosidad por saber qué fue lo que despertó la ira de Edward Norton, a quien si duda echaré de menos en The Avengers.

Rubio, alto, ojos azules, cachas, guapo, absurda y ofensivamente patriótico, como no podía ser de otra forma viniendo del emblema humano de los Estados Unidos de América, el puto mejor país del mundo. Me moría de ganas por ver cómo Hollywood intentaba colar a nivel internacional a semejante sujeto, un tío capaz de hacerse un traje con los colores de su bandera y lucirlo con orgullo. Si el concepto de Linterna Verde es difícil, el del Capitán América es directamente ridículo. Para mi sorpresa, lo pasé en grande con Capitán América, el Primer Vengador, una película sustentada en tres pilares: aventura clásica, sentido del humor y sana autocrítica.

El muchacho que describo arriba no se parece en nada a Steve Rogers, un chico enclenque cuyo único deseo es defender a los más débiles. Solo hay un pequeño problema: él es el más débil. Una pésima condición física le ha impedido alistarse para ir al frente en cuatro ocasiones, pero él sigue intentándolo, jugándose con ello el ir a la cárcel por mentir acerca de su identidad. Su tesón hará que un alma caritativa (e influyente) se apiade de él y le conceda una oportunidad. Durante veinte minutos que pasan en un suspiro el bueno de Steve logra caernos en gracia et… voilà! Se ha obrado el milagro: a partir de este punto, consiguen que el Steve debilucho pero todo corazón siga latiendo bajo las capas de músculo del Capitán América, consiguiendo que nos sigamos empalizando con él cuando deba enfrentarse a la adversidad.

La película no se complica la existencia y juega sus bazas yendo de frente aunque evitando salpicarse con matices indeseados: el rival a batir rezuma tanta maldad como Steve pureza. Cráneo Rojo ha salido de las filas de Hitler, cierto, pero representa un peligro mucho mayor que el dictador. De este modo, las banderas dejan paso a la clásica lucha entre el bien y el mal, confrontación que tarda en llegar algo más de lo previsto porque… No quiero arruinar a nadie el visionado de la película, así que tan solo diré que la forma elegida por los guionistas para insertar el elemento patriótico es inesperada, divertida en ejecución y en explicación del origen del traje y, al menos en mi opinión, inteligente en tanto que suaviza el aspecto más antipático del personaje. Chris Evans ofrece una interpretación convincente como Capitán y está rodeado por un elenco de sólidos secundarios que ensalza el conjunto: Hayley Atwell, una bella muy bestia; Tomy Lee Jones haciendo de Tomy Lee Jones (otra vez); un acertadísimo Dominic Cooper como Howard Stark; Stanley Tucci, Toby Jones y, por supuesto, un Hugo Weaving inmenso e imponente como Cráneo Rojo que casi da más miedo con cara que sin ella. El desarrollo de la trama es suave, elegante y avanza con paso firme cubriendo todos los ángulos. La acción está rodada sin artificios (al fin y al cabo, el Capitán “solo” es un humano potenciado) y trabaja para la historia. En conclusión, Capitán América es una película redonda y bien acabada que entretendrá incluso a los escépticos como yo. Y como sé que no todos están de acuerdo con esta opinión, ¡venga, a rajar en los comentarios!

¡Saludos!

PD: qué mal le sienta el verano a este blog…

Libros: "Contra el viento del norte" / "Cada siete olas"

2011-07-26T20:59:00.001+02:00

por Cosette

“Escribir es como besar, pero sin labios. Escribir es besar con la mente”.

Empecé a leer Contra el viento del norte por pura casualidad: estaba/estoy enfrascada en A Dance with Dragons y, al notar que me estaba saturando (suele costarme mucho “entrar” en los libros de G.R.R. Martin), decidí tomarme un par de días de descanso y probar algo totalmente diferente. Y he aquí cómo topé con Contra el viento del norte y su secuela, Cada siete olas, ambas del escritor austríaco Daniel Glattauer.

Seguramente muchos de vosotros (si no todos) tenéis contacto con personas a través de internet. Y probablemente de algunas de estas personas no conozcáis ni su nombre auténtico, ni su edad, ni su aspecto físico… Son todas ellas relaciones basadas en la virtualidad y en el vínculo creado a través del teclado y la pantalla de ordenador, relaciones en las que podemos reinventarnos y, literalmente, reescribirnos, mostrar la parte de nosotros que más nos plazca y ocultar todo lo demás. Pero ¿qué pasa cuando una de esas personas semi-anónimas se convierte en algo más que un correo o un mensaje en un foro? ¿Cuando una relación virtual llega a ser más intensa y tangible que cualquier relación de nuestra “vida real”?

Contra el viento del norte indaga en esas cuestiones bajo el formato epistolar de la era cibernética, el intercambio de e-mails. Leo Leike, psicólogo del lenguaje, recibe mensajes por error de una desconocida llamada Emmi Rothner, una “felizmente casada” (en palabras de la propia Emmi) diseñadora de páginas web. Como es educado, Leo le contesta. Y como él le atrae, ella le escribe de nuevo. Así, poco a poco, se entabla un diálogo en que la pura formalidad entre dos desconocidos va dando paso a una camaradería repleta de humor, ingenio y curiosidad por el otro. Pero la cosa no queda ahí: a medida que se van intercambiando mails la confianza y la dependencia entre Leo y Emmi irá en aumento, así como también el afecto que sienten el uno por el otro y el miedo a enamorarse, a verse en persona, a decepcionarse.

     Al día siguiente
     Asunto: Primera respuesta
     Querido Leo:
     ¿Sabes qué es lo que realmente detesto de ti? Tus expresiones referentes a mi marido. «Pese a la dicha del amor conyugal con Bernhard»: ¿a qué viene esachorrada? «Dicha del amor conyugal» suena —deliberadamente— a «cumplimiento de los deberes conyugales de cohabitación matrimonial». O: «Práctica periódica de relaciones sexuales, aprobada por un empleado del registro civil, con el correspondiente intercambio de fluidos corporales». Te burlas de mi matrimonio, querido Leo. Y soy muy susceptible al respecto. ¡Déjalo ya!

     45 minutos después
     Fw:
     Emmi:
     Hablas de sexo continuamente. Ya es patológico.

     Una hora después
     Re:
   Aún no he empezado a hablar de sexo, amigo mío. Ayer hiciste algunas importantes jugadas al respecto. Por ejemplo, lo de las «fantasías eróticas». Necesitaste dos negaciones para decirme que no es que no las hayas tenido nunca al pensar en mí. ¡Ése es el estilo de Leo! Otro habría dicho: «A veces pienso en ti de unmodo erótico, Emmi». Leo Leike dice: «No es que nunca piense en ti de un modo erótico, Emmi». ¿Y después te sorprendes de que yo no deje el tema? No es que lo mío sea patológico, es que tu conducta erótica verbal es muy peculiar, querido Leo. Resumiendo, no me creo tus elevadas reflexiones pastorales sobre el sexo. Pues ¿qué hace el bueno de Leo con sus fantasías eróticas doblemente negadas? Cita: «Procuro mantenerte al margen de ellas, no tengo derecho a exigirte tanto»... ¿Que no quieres exigirme tanto? Me pregunto qué clase de fantasías serán esas que tanta exigencia implican. Dímelo con confianza.

Daniel Glattauer

Muchos calificarían este libro como una historia de amor y, en muchos aspectos, así es. Sin embargo, creo que el mayor logro de la novela estriba en la habilidad de Glattauer para construir a dos personajes de los que apenas sabemos nada y transmitir a través de sus mensajes de correo electrónico la complejidad de sus vidas y sentimientos, sus inseguridades, ilusiones y miedos. El libro, con un dinamismo que raya el frenesí, engancha desde la primera página; la propia curiosidad del lector por saber qué consecuencias tendrá la relación, la sencillez del lenguaje y la inalterable estructura epistolar (sin narrador ni descripciones) hacen que Contra el viento del norte sea una lectura ágil, fresca y muy ligera (que no carente de profundidad). Las charlas virtuales entre Leo y Emmi están realmente logradas, en gran parte por las particularidades del carácter de los dos protagonistas: la mordacidad e ironía de Emmi es el contrapunto perfecto para el talante más tranquilo y romántico de Leo, solo capaz de desinhibirse y soltar la lengua en estado de embriaguez.

“Eres muy severa, Emmi. No seas tan severa. No quiero café. Quiero a Emmi. Ven a casa. Bebamos otra copita de vino. Podemos tener los ojos vendados, como en la película. No recuerdo cómo se llamaba la película, tendría que pensar. Me encantaría besarte. Me da igual qué aspecto tengas. Me he enamorado de tus palabras. Puedes escribir lo que te apetezca. Puedes ser severa si quieres. Me gusta todo. Es que tú no eres nada severa. Te obligas a serlo, sólo quieres parecer más fuerte de lo que eres.”

Es cierto que la novela no es una obra maestra de la literatura y que, en algunos momentos (los menos, eso sí), resulta un tanto ñoña y facilona. Pero no por eso deja de ser un libro interesante y original con una historia de amor cibernética de lo más amena (y probablemente más común en la vida real de lo que creemos). Además, otro de sus grandes aciertos (y aquí supongo que disentiré de la opinión de muchos lectores) es su final: honesto, realista y perfecto.

Desgraciadamente (o no), el éxito de crítica y público llevó a Glattauer a escribir una segunda parte, Cada siete olas. En mi opinión, esta secuela no deja de ser una predecible (y prescindible) continuación destinada a satisfacer a aquellos lectores frustrados con el final de Contra el viento del norte (el autor incluso ha afirmado que nunca llegó a plantearse una segunda parte, no hasta que Contra el viento del norte se convirtió en una de las revelaciones literarias del pasado verano). No os equivoquéis, no considero que Cada siete olas sea un mal libro: Emmi continúa igual de neurótica, irónica e insufrible, Leo sigue poniéndose tierno cuando bebe más de la cuenta y el particular tira y afloja entre ambos sigue teniendo chispa y gracia, pero sí es cierto que en algunos momentos la fórmula acaba resultando algo cansina. ¿Y qué decir del final? A mí particularmente no me ha gustado demasiado, por excesivamente empalagoso, pero supongo que habrá hecho las delicias de aquellos que ansiaban una resolución más convencional para Leo y Emmi.

A pesar de sus defectos, creo que ambas lecturas (y muy especialmente Contra el viento del norte) son de lo más recomendables para pasar un par de tardes veraniegas realmente entretenidas, con una sonrisa en los labios (y alguna carcajada de tanto en tanto). Escribir una novela epistolar a base de e-mails es todo un reto, pero Glattauer cumple su cometido y nos regala una adictiva historia de amor contemporánea en la que más de uno podrá verse reflejado. Así que ya sabéis, si queréis saber qué es el viento del norte y cómo se lucha contra él, o qué es lo que pasa tras la séptima ola, solo tenéis que dejaros seducir por las palabras de esta peculiar pareja de enamorados virtuales. Es una tarea fácil, os lo garantizo.

Libros: "La Princesa de Hielo"

2011-07-05T12:06:00.000+02:00

por Cosette

Había leído comentarios muy positivos sobre la obra de Camilla Läckberg, bautizada por algunos como la reina de la novela negra europea, así que, como amante del género, decidí dar una oportunidad a La princesa de hielo (Maeva, 2007), la ópera prima de esta autora que inaugura su serie protagonizada por la escritora Erica Falck y el comisario Patrik. Lo cierto es que no tengo ni idea de los oscuros motivos que me impulsaron a acabar la novela (supongo que soy demasiado tozuda para estas cosas) porque, francamente, la lectura se me hizo tan insufrible y tediosa que tardé tres semanas en finalizar un libro que, en circunstancias “normales”, me habría ventilado en tres o cuatro días. Y es que La princesa de hielo me ha parecido una auténtica porquería, así, sin más.

Creo que me dejé embaucar porque la premisa era buena y el argumento no deja de ser intrigante; tras el fallecimiento de sus padres, la joven escritora Erica Falck vuelve a su pueblo natal, Fjällbacka, donde se verá envuelta en una truculenta historia cuyos protagonistas no son otros que sus compañeros de infancia. Pocos días después de llegar al pueblo, Alex, la que fuera mejor amiga de Erica durante su niñez, es hallada muerta en la bañera de su casa. En un principio todos los indicios apuntan a un suicidio, pero pronto se descubrirá que Alex fue asesinada y que, además, estaba embarazada de pocas semanas. Con la ayuda del comisario Patrik, que pronto se convertirá en algo más que un amigo, Erica se adentrará en un oscuro secreto del pasado celosamente guardado.

Para empezar, creo que uno de los grandes fallos de este libro es la mezcla de géneros. Empieza siendo una novela de misterio para acabar degenerando en un folletín rosa donde los protagonistas parecen más preocupados por qué ropa interior llevarán en su siguiente cita que por resolver el asesinato de Alex. Y no os equivoquéis, aunque no es un género que frecuente con asiduidad, no tengo nada en contra de la chick lit, pero creo que para narrar una buena historia de amor y un buen misterio es necesario poseer un dominio de la narrativa y del desarrollo de personajes mucho mayor del que la Sra. Läckberg hace gala (os remito a Dennis Lehane y su serie Kenzie/Gennaro, o a Tana French y su Dublin Murder Squad series, o incluso a la británica Mo Hayder y sus libros protagonizados por el detective Jack Caffery si queréis leer buenas novelas de crímenes con una pequeña (y perfecta) dosis de desarrollo romántico).

Camilla Läckberg

No sé si la culpa es de la autora, o de una pobre traducción, o de todo a la vez, pero La princesa de hielo es una obra deficiente en todos los aspectos: mal pensada, mal construida y mal escrita. A la escritora se le nota de una forma un tanto descarada su intención de intentar impresionar al lector. Alguien debería hablarle a Camilla de lo que es la sutileza: impresióname, sí, pero que no se note. Y es que toda pretensión se desmorona tras las 125 primeras páginas, cuando Erica y Patrik se confirman como unos personajes carentes de cualquier encanto que se desenvuelven como pez en el agua en una trama melosa y pueril más propia de novela rosa de baja estofa y donde la investigación importa entre poco y nada. Y es que si me pones a Erica colándose en escenas del crimen en plena noche, escondiéndose en armarios y jugando a hacer de investigadora, la cosa adquiere tintes surrealistas.

A este respecto, también tengo la impresión de que la Läckberg no tiene ni pajolera idea ni se ha preocupado mucho por documentarse sobre cómo funciona la policía y los procedimientos utilizados en investigación policial. No suelo ser una lectora muy exigente en lo que se refiere a este tipo de tecnicidades, pero sí necesito unos mínimos. Por poner tan sólo un ejemplo, nos encontramos con que el entregado Patrik (al parecer el único investigador competente de la comisaría de Fjällbacka) descuelga el cadáver de un ahorcado simplemente porque hiere su sensibilidad; imagino la bronca monumental que le caerá de la Científica (que asumo que en Suecia también existe) por manipular el escenario del crimen; pero la autora omite todo detalle, obviamente.

La verdad es que ya no es solo que los personajes sean una caricatura, ni que el argumento resulte folletinesco, ni que esté mal documentada; el verdadero problema es, sencillamente, que la novela está mal escrita. El estilo en general (salvo algunos fragmentos que, todo sea dicho, resultan decentes) y los diálogos son insoportables, y da la sensación de que el texto se ha visto alargado hasta la saciedad en un intento de… ¿qué? ¿De que la historia resulte más lírica y profunda? A Tana French se lo paso porque leerla resulta una delicia, pero esta señora no le llega ni a las suelas de los zapatos. Por poneros un ejemplo, la novela incluye topicazos como “mantuvieron un tenso silencio durante varios minutos antes de hablar”. ¿Varios minutos? ¿Alguien ha intentado estar sin hablar varios minutos? O este diálogo hilarante en que una compañera de Patrik indaga sobre la destreza sexual del policía:

“—¿Estáis aún en la etapa del bingo?
—¿Qué es la etapa del bingo?
—Sí hombre, ya sabes, cinco seguidos…”

¿En serio era necesario incluir detalles como que Patrik es capaz de meterla cinco veces sin parar (!) en su primera noche de amor con Erica? (dichosa ella, eso sí). Y quizá soy yo la que está poco puesta en jerga sexual, pero ¿alguien había escuchado alguna vez eso de la “etapa del bingo”? Por no hablar de auténticas perlas en el de desarrollo de personajes diseminadas aquí y allá, como los dilemas existenciales de ella (está en un sin vivir porque tiene las bragas sucias esparcidas por la habitación cuando tiene que venir su ligue a cenar) y las preocupaciones de él (que no se le escape un pedo en pleno acto sexual).

De todas formas, creo que el fragmento más surrealista (y patético) lo encontramos cuando Erica, al más puro estilo Bridget Jones, se enfrenta al dilema de elegir la ropa interior que lucirá en su primera cita con Patrik: ¿tanga de encaje o bragota de la abuela? Os dejo con el fragmento ya que, si bien resulta un poco largo, recoge a la perfección el petardeo insoportable de la protagonista.

“El primer dilema se le presentó después de la ducha cuando, igual que su heroína favorita, Bridget Jones, se vio ante la elección de qué braguitas ponerse. ¿Debía elegir su precioso tanga de encaje, por si se presentaba la remota ocasión de que ella y Patrik acabasen en la cama? ¿O, por el contrario, sería más acertado ponerse esas bragas enormes y horrendas con sujeción para la tripa y el trasero, que incrementarían considerablemente las posibilidades de que Patrik y ella acabasen en la cama? Difícil elección. Sin embargo, teniendo en cuenta la envergadura de la tripa, resolvió por fin ponerse la variante más favorecedora. Y, sobre ellas, unas medias también con sujeción. En otras palabras, la artillería pesada. (…) Se colocó ante el espejo de perfil y metió la tripa. Y sí, con ayuda de la combinación braguitas-faja, medias-faja y respiración contenida, su aspecto resultaba bastante aceptable. Así, tuvo que admitir que los kilos extra no eran tan perjudiciales. Podría vivir sin los que habían ido a parar a la tripa, pero el que se había distribuido por los pechos hacía que una hendidura bastante homogénea se dejase ver por el escote del vestido. Cierto que con la ayuda de un sujetador con relleno, pero esos remedios debían de ser de uso generalizado hoy en día.”

¿…?

Lo que me asombra verdaderamente es que este libro esté considerado un imprescindible de la novela negra de los últimos años y vaya ya por su... 30ª? edición. Ya les vale. Y me pregunto yo, ¿quién encumbra a escritoras tan mediocres como Camilla Läckberg? Sinceramente, no tengo ni la menor idea y creo que prefiero no saberlo. No me gusta ser tan destructiva en una crítica (al fin y al cabo, escribir un libro conlleva un esfuerzo y tiene su mérito), pero en este caso el resultado deja tanto que desear que considero todos mis ataques justamente merecidos. La princesa de hielo es una novela predecible, prescindible y poco memorable; mal hilada, forzada y muy poco consistente. No entiendo a qué ha venido tanto bombo con esta escritora y con esta novela en concreto. Quizá el nivel general de la Läckberg mejora en sus posteriores obras (tengo entendido que las serie de Patrik y Erica consta de, por lo menos, cinco libros), pero personalmente no pienso molestarme en leer ni uno más. Quizá como escritora de chick lit podría tener un futuro, pero como autora de suspense esta señora da verdadera vergüenza ajena.

¡Estrenamos Twitter!

2011-05-27T14:40:00.002+02:00

¡Extra, extra! Desde hoy, The Strike Blog amplía sus dominios al sucinto y extraño universo de Twitter. Sucinto, por lo obvio; extraño, para mí. Me animo a dar el paso porque profesionales y amigos cuyo criterio respeto y en cuyo olfato confío emplean estas plataformas como un medio más de comunicación. Es una forma como cualquier otra de intentar autoconvencerme de que no soy tan cabezón y prejuicioso como las malas lenguas dicen (ejem U_U).

No sé adónde llevará esto. La idea principal es que el blog tenga vida más allá de las pocas actualizaciones con las que últimamente lo alimento. A veces me apetece soltar alguna chorrada sobre un capítulo o una noticia puntual y una entrada le viene grande; ese parece el nicho al que dirigirme… o no.

Antes de despedirme, reflexiones para no dormir: ¿será Facebook lo siguiente?

¡A experimentar!

Cine: "Tokio Blues" ("Norwegian Wood")

2011-05-18T11:26:00.002+02:00

Haruki Murakami tiene fama de inadaptable. Su gusto por mezclar el folklore nipón y lo onírico con historias cotidianas e introspectivas quizá tenga algo que ver. Ha sido otro asiático, Tran Anh Hung, quien se ha atrevido a trasladar a la gran pantalla la obra más internacional del novelista: Tokio Blues (Norwegian Wood).

Retomando el viejo debate de si una adaptación debe ser fiel a los hechos o a la esencia de la historia en que se basa, el director vietnamita ha hibridado ambas opciones. Pese al holgado metraje de 130 minutos, muchos son los elementos que han quedado fuera. No queda ni rastro del sentido del humor que sobrevolaba las páginas de Murakami (las locuras de Tropa de Asalto han quedado reducidas a un innecesario cameo, los juegos constantes de Midori se han convertido en honesto flirteo), pero la nostalgia, el dolor, la responsabilidad, las emociones y la magnífica recreación de una época están ahí.

Gracias a su fotografía preciosista, Tokio Blues funciona como una película sensorial en la que cada fotograma exuda humanidad. El uso de una paleta fuertemente contrastada, bañada por luces ocres, azules o blancas que concuerdan con los estados de ánimo de los protagonistas, recuerda a la de otros cineastas como Wong Kar-Wai, capaces de enamorar a nuestras retinas hasta el punto de olvidar que tras tanta belleza plástica debe haber una narrativa fluida. Durante la mayor parte del tiempo, Tokio Blues supera ese bache sin dificultad. Para lograrlo, la complejidad introspectiva del relato desaparece (el uso de voz en off, homenaje a los pasajes literarios y enlace directo con la psique del narrador-protagonista, es casi inexistente) en favor de centrarse en el triángulo amoroso formado por Watanabe, Naoko y Midori, probablemente la única forma de llevar a cabo la adaptación sin traicionar al original. Sin embargo, las elipsis frecuentes del último tercio entorpecen la comprensión y la cabeza de Watanabe se torna en territorio inescrutable (ya costaba ver la lógica de ciertos eventos en papel, así que imaginaos).

Un tramo final mejorable no es suficiente para empañar la buena impresión general que deja Tokio Blues, una película recomendable para aquellos que estén acostumbrados al tempo pausado del cine asiático. De todas formas, si el buen hacer de Tran Anh Hung cala en vosotros, no puedo sino señalar en dirección a la novela de Haruki Murakami, fuente de inspiración, riquísima en matices y muy apreciada por varios lectores de este blog.

¡Saludos!

Series: "Fringe" (S3 season finale)

2011-05-11T14:15:00.001+02:00

Es curioso que en tres temporadas nunca haya dedicado una entrada a Fringe. Pensando en las razones, la más evidente debe de ser que la veo sin tomármela en serio; ojo, lo hago a gusto, disfrutando de un producto entretenido, excelente tanto en lo técnico como en lo interpretativo (salvo Joshua "Pacey" Jackson). El problema es que, sabiendo quién mueve los hilos, era previsible que tarde o temprano llegáramos al punto donde acaba de dejarnos el finale de la tercera temporada...

Spoilers a partir de este punto.

Fringe tardó en encontrar una voz. En sus inicios, coqueteó con los conceptos de The Pattern y The Observer como telón de fondo mediante casos autoconclusivos que evidenciaban el advenimiento de algo chungo. Olivia tenía un rollete, el agente John Scott, y un compañero, el agente Charlie Francis. ¿Dónde dejaba eso a Peter? De niñera de Walter y algo así como un traductor genio-espectador de los discursos pseudocientíficos de su padre. En la segunda temporada solventaron ese "problema" eliminando obstáculos (los mentados hombres de Olivia) para poner a Peter en una posición personajística injustamente privilegiada: de vulgar consultor civil era ascendido a compañero de facto de Olivia y, por lo tanto, tercera pata del relato, ahora sí, con todas las de la ley. Con el mismo fin, el de avanzar imparable por una senda narrativa segura, Fringe ha ido dando carpetazo sin más a toda carga, ya fuese una agente de otro estado que husmeaba en los eventos Fringe (la despacharon en un pis-pas), los interesantísimos shape-shifters, la relación de Peter con la mafia local y su exnovia prostituta o una impresionante galería de villanos (¿hay que creerse que David Robert Jones era un simple sicario de Walternate?). Finalmente todas las piezas estaban donde interesaban y el rollete entre Peter y Olivia brotó de la nada; sobre el papel en el despacho de un productor funcionaba, estoy seguro, pero no logré verlo en pantalla. En serio, Peter sacaría un cerapio en carisma (que no Joshua Jackson; Onari, discuss! ;p), juntos duermen a las piedras y ni el peor guionista se cree lo rápido que "he belonged with her". Pero claro, ¿qué hacer con Peter, si no? Mientras, nos era revelado el secreto de los Bishop y sus trágicas e inesperadas consecuencias: dos universos enfrentados en una guerra que acabará con la existencia de uno de ellos. ¿El arma definitiva? El pene de Peter Bishop.

Si bien los pergaminitos proféticos y la consiguiente relevancia de Peter (y sus decisiones amorosas, je) se regodeaban en lo ridículo y traían a la mente lo más chungo de Alias, la presentación del universo paralelo supuso un soplo de aire fresco que germinó en el mejor arco narrativo que la serie ha tenido hasta el momento: situaciones trepidantes, recuperación de valiosos secundarios (Charlie Francis), incorporación de personajes bien construidos (Lincoln Lee) y, en general, un despliegue de talento interpretativo coronado por la versatilidad de John Noble y Anna Torv. Una vez despojados de las apariencias y cómodos con la etiqueta de ciencia ficción, el final de la tercera temporada no ha hecho sino reforzar tal posición mediante un diálogo intertextual con obras capitales del género como Terminator, X-Men e incluso Doctor Who. "The Last Sam Weiss" se cerró con un flashforward, un efecto Shyamalan anticipado para hacer salivar al espectador de cara a "The day we died", en el que se exploran las consecuencias de los eventos que están teniendo lugar en el tiempo presente. En quince años, nuestro universo se parecerá al de ellos, Walter cumplirá condena como responsable de que nuestro universo se resquebraje, Peter y Olivia dirigirán la Fringe Division (el primero emulando a John Connor y la segunda, a Charles Xavier) y, lo más importante, Astrid no ocultará que es super-hot.

El capítulo en sí me gustó, pues si algo tiene Fringe es una factura técnica de caramelo y habilidad sobrada para crear atmósferas inquietantes, pero ha entrado en el peligroso territorio de la sorpresa, de la negación de sus propias constantes, del WTF como solución recurrente (por ejemplo: “he’s the man who’s gonna kill me”, así, sin pestañear, con Giacchino petándola de fondo, ¿era necesario?). Dónde nos llevará este final en términos de historia y desarrollo de personajes está por ver. No soy partidario del camino que han tomado porque, salvo Bill Murray en clave de comedia, nadie maneja con gracia ciertos elementos (ni siquiera el propio Abrams en Star Trek). Digámoslo claro: las paradojas temporales son una mierda. Se cargan la coherencia y degeneran en absurdo. Además, no sé vosotros pero yo no temo por Peter; estamos en un show de Abrams, que siempre acaban con casa-perro-niño, así que Olivia recordará a Peter en algún momento y listos, como ya hiciera Amy Pond (cuánto odié ese final). Por eso tampoco temí cuando Walternate mata a Olivia, porque cuando la norma es que no hay normas (véase la “explicación” final de Walter), que todo se puede arreglar apelando a la vuelta de tuerca, la emoción se queda por el camino.

Hubo dudas acerca de la renovación de la serie durante buena parte de la temporada. La incertidumbre le sentó fatal, igual que a cualquier otra serie; derivó en tanteo y falta de contundencia (debido a la falta de seguridad). Personalmente, sería feliz si Fringe finalizara en la cuarta temporada y los guionistas pudieran escribir con margen un epílogo digno de todo lo bueno que son capaces de dar cuando no ceden a la presión con malas ideas, WTF’s y deus ex machinas (aquí, literalmente). De lo contrario, la penosa marcha que en su día emprendió Lost ya ha dado aquí su primer paso.

¡Saludos!

Series: "Game of Thrones", "Himym", "Community"

2011-04-26T03:15:00.003+02:00

Mes y medio de exilio, but I'm back and that's what matters. ¡Empecemos!

Abrimos fuego con el piloto de Game of Thrones. Ni en nuestros sueños más húmedos hubiéramos soñado, hace cinco años, que orquestaría HBO, que tendríamos este pedazo de casting y semejante nivel de producción (incluso la secuencia de créditos, recreando las tierras de Poniente, es espectacular). En cuanto al casting, conviene que alguien explique a los encargados de tal tarea un concepto válido de belleza masculina (la femenina está claramente canonizada): excelente para Jamie pese a las dudas levantadas por su prominente apéndice nasal, suficiente discutible para el raruno Theon y suspenso sin opción a reválida para Joffrey. Al margen de este detalle, una vez se acepta el aumento en las edades, es un honor incalculable contar con Sean Bean (lo bueno, si br...); Peter Dinklage como Tyrion no podía ser más perfecto; Catelyn no es hermosa pero sí regia e intensa; Arya, Rob, Bran, Daenerys, Viserys y Drogo son magníficos; y Cersei, Robert y Jon no son como imaginaba pero le he pillado el punto al trabajo de Lena Headey, Mark Addy y Kit Harington. En cuanto a la producción, ya se ha comentado en otros blogs lo desangelado de Pentos; estoy más o menos de acuerdo (aunque no se me ocurren demasiadas formas de representar con elegancia un inmenso desierto... ), pero me chirrió más lo poco salvajes que parecían los dothraki: la boda era un poco cutre. En cualquier caso, esto es tele y el nivel general es muy alto para el formato; lo único que de verdad me preocupó fue la narrativa.

Los que estamos familiarizados con las novelas conocíamos a los personajes de antemano y celebramos sus apariciones, incluso aquellos, como Theon, de quienes no se dijo ni el nombre; por otra parte, la información omitida o simplificada es automáticamente proporcionada por nuestro friki-cerebro (proceso idéntico al que tiene lugar durante el visionado de las pelis de Harry Potter). No tengo tan claro que el neófito siguiera con facilidad los tejemanejes de Stark y Lannister, entendiera la especial relación de Eddard y Robert con Jon Arryn o la línea Targaryen al otro lado del océano (en relación a esto, que el "him" pronunciado por Robert frente a la tumba de Lyana se refiriese a Rhaegar, ¿innecesariamente enigmático?). De todas formas, solo es el piloto, la toma de contacto con los personajes, y hay que dejar que la serie desarrolle sus propias tramas al margen de las novelas. Por el momento, la acogida del capítulo por parte de crítica y público ha sido tan buena que desde HBO ya se ha dado luz verde a lasegunda temporada; el arranque es inmejorable. La cosa promete.

La renovación de HIMYM por otras dos temporadas me sentó como un jarro de agua fría: no me gusta que las series se eternicen o, dicho de otro modo, me gusta que acaben cuando toca, algo que con las comedias es difícil de precisar. Con HIMYM, realmente me importa un pito quién es la madre; por mí Ted podría soltarles a los niños que en realidad es Robin pero que alteró el relato para hacerlo divertido porque... Robin no tiene rival. De todas formas, la identidad de la madre es una mera excusa para hablar de este grupito de gente y siento que otros cuarenta y pico capítulos, pese a los buenos momentos que han dado, son demasiados. Espero equivocarme.

Para hacer llevaderos los hiatos de HIMYM me he ido enganchando, por este orden, a The Big Bang Theory, Scrubs, Modern Family y Community. Llevo TBBT a ritmo de emisión y, como mi favorito no es Sheldon (que se ha apoderado del show), no disfruto como con las primeras temporadas, pero aguanta el tipo (mi favorito es Wolowitz, por cierto ;>). Scrubs debo recuperarla en algún punto de la tercera temporada; no sé por qué paré de verla porque me reía mucho con ella (¡grandioso Dr Cox!). Modern Family fue un segundo plato de manual para ocupar los hiatos de HIMYM y TBBT: demasiado clásica, demasiado blanca. Solo disfrutaba de veras con Phil y Claire, las salvajadas de Jay y algunas salidas de Cam. Así que sin casi darme cuenta la reemplacé por... Community.

Jeff Winger, abogado de éxito, es inteligente, elitista, mujeriego, amoral y tiene un cuerpazo de infarto; además de todo esto es el cabecilla de un grupo de estudio para Español como Lengua Extranjera en Greendale, una universidad pública a la que atienden quienes no tienen donde caerse muertos. ¿Y qué hace un tipo como Jeff Winger en un sitio como Greendale? Pues se descubrió que entre sus muchas habilidades estaba la de timador y que su título para ejercer era falso. Para obtenerlo, elige la vía rápida: Greendale, el lugar más cutre de la Tierra donde trabaja como profesor un antiguo cliente de quien espera obtener ayuda. Evidentemente, las cosas no resultarán como esperaba y se verá atrapado durante cuatro largos años en la universidad rodeado por seis extravagantes compañeros. Me he tragado la primera temporada de Community sin pestañear, cautivado por las locuras que a este grupo de perdedores se les ocurre en cada capítulo. No son solo ellos, a los profesores también les falta un tornillo: el amenazador señor Chang, un chino loco enseñando español, o el decano, obsesionado con hacer de Greendale un lugar mejor y... con el torso esculpido en mármol de Jeff.

Todo lo que pido a una comedia es echarme un par de risas y Community cumple tal cometido con creces. Parte de estereotipos para mofarse de los estereotipos, no para de hacer metacomentarios sobre qué está pasando en la serie o sobre cómo se desarrollaría tal situación aplicando las reglas del género (Abed, que vive la vida como una serie de TV, es clave) y gasta buenas dosis de humor negro (Jeff es un protagonista inusualmente cabrón), además de no cortarse un pelo para lanzar pullas a la competencia. También se nutre del ridículo y el humor absurdo, a menudo para poner la teórica superioridad intelectual de Jeff al nivel del betún y dar a entender que no hay que tomarse la vida demasiado en serio. De vez en cuando también se regala con capítulos temáticos y homenajea abiertamente al cine de Scorsese o parodia el género de acción como en "Modern Warfare", del cual no quiero decir nada salvo confirmar que, en efecto, era tan bueno como decían (y eso que la teoría de la expectativa ponía a este capítulo por las nubes).

Salvo pilotos o season finales, no suelo comentar series cuyo visionado tengo a medias, pero Community ha supuesto una agradable sorpresa que me apetecía compartir con mis amados seis lectores. Avanzo a ritmo de capítulo diario y sé que cuando alcance a la emisión yanqui una dosis semanal me sabrá a poco... ¿Todavía hace falta decir que os la recomiendo?

¡Saludos!

(P.D.: no reedito por pereza, pero acabo de ver el segundo episodio de Game of Thrones y me alegra comprobar que la cosa va viento en popa, manteniendo el gran nivel de la premiere y desenvolviéndose con habilidad… ¡qué ganas de ver el tercero!)

Cine: "El discurso del rey"

2011-03-14T10:48:00.002+01:00

Se hace difícil hablar de una película después de que esta gane tres Oscar a mejor película, director y actor principal. Corre uno el riesgo de pasarse buena parte del metraje pensando que no es para tanto, o de esperar esa gran escena que la certifique y encumbre como la gran obra que otros ya han decidido que es (la mejor película americana del año, nada menos). Personalmente, sucumbí a la teoría de la expectativa como cualquier otro y a ratos pensaba en ese trío de estatuillas doradas e imaginaba a dos de ellas brillando con más intensidad en manos de otro, aunque también era fácil entender por qué los académicos se decantaron por esta opción.

El Discurso del Rey sigue a rajatabla el camino marcado en anteriores ediciones en el afán por premiar a tullidos, retrasados y actores atractivos afeados que superan algún tipo de obstáculo mediante esfuerzo y perseverancia. En este caso, el rival a batir es el grave problema de dicción que sufre el Duque Albert de York y su consecuente incapacidad para pronunciar discursos. Es un planteamiento original, no cabe duda, más que el del enésimo púgil que reivindica el poder de la clase baja mediante la fuerza de sus golpes. ¡Ay, si Wahlberg hubiera sido tuerto! (aunque a Jeff Bridges no le sirviera de nada...). Cisne Negro no encajaba del todo en estos parámetros por ser demasiado oscura y arriesgada, y no todos los años puede ganar el patito feo ―la tasa de bohemicidad de los académicos es limitada―. Finalmente, La Red Social probablemente fuera la que se llevó el gran chasco, aunque yo lo veo lógico: fría, pedante, personajes antipáticos, para "padalares selectos" y, además, jodidamente soporífera. ¡Menos mal que no ganó!

Entre las virtudes de la campeona se cuentan una historia amable explicada con sencillez ―que facilita la empatía del público hacia el tartamudo Albert― y un elenco actoral respaldado por nombres de la talla de Colin Firth, Geoffrey Rush o Helena Bonham Carter. A los dos últimos les arrebataron la estatuilla al mejor secundario: la de la duquesa es una de esas nominaciones que nunca he comprendido bien, ¿qué tiene de especial? (un saludo, Judi Dench); por otra parte, la composición que hace Rush del logopeda es remarcable, clave en la película y responsable de la fina ironía (australiana) que acompaña a sus apariciones ―a él le corresponden los mejores one-liners en el duelo de intelecto con el duque―. Evidentemente, el peso pesado del film es la interpretación del duque Albert, que le ha valido a un magnífico Colin Firth el Oscar en su segunda nominación consecutiva a la categoría de mejor actor.

Dada su narrativa lineal y previsible, el mayor atrevimiento del film recae en lo visual: planos de medio cuerpo incómodos (metáfora del ánimo del duque), asimétricos, que muestran grandes espacios vacíos, y un abuso del ojo de pez, el contrapicado y el plano forzado para potenciar esa misma sensación de incomodidad. Por lo demás, El Discurso del Rey es una película convencional, clásica, bien contada, correcta en todos los frentes pero (salvo Colin Firth) no sobresaliendo en ninguno... exactamente las mismas razones que se argumentaron para descartar en la carrera por la estatuilla a The Fighter o, por todo lo contrario, a Cisne Negro. Todo esto lleva a pensar que, como siempre se viene diciendo, las razones que llevan a una película hasta el podio no tienen que ver tanto con su calidad e innovación sino con el marketing y el politiqueo entre productores y académicos. Personalmente, creo que es entretenida pero el Oscar le viene grande.

Otras consideraciones:

* La ampliación en la categoría de mejor película de cinco a diez nominadas solo sirve para que los frkis (Inception), los indies (Los chicos están bien) o los niños grandes (Toy Story 3) no frunzan el ceño, porque de ahí a otra cosa... McGuffin explora la idea aquí.

*¿Por qué no fusionan las categorías de mejor película y mejor director? Desde la edición de 1980 (por empezar por algún sitio), la misma película se llevó ambos galardones en 26 de 32 ocasiones.

¡Saludos!

Cine: "Enredados" ("Tangled")

2011-03-03T01:04:00.001+01:00

Enredados es el equívoco nombre que los responsables de marketing de Disney han elegido para contar su versión de la historia de la princesa Rapunzel. Tras la desastrosa Tiana y el Sapo tocaba probar algo nuevo, y ha sido el propio estudio (y no Pixar) el encargado de insuflar vida tridimensional a la rubia de melena infinita y al resto de personajes. El invento, a nivel de crítica y respuesta del público, les ha salido estupendamente.

Para lograr que el producto fuese accesible a todos, empezaron por no romperse la cabeza con la trama: Rapunzel ha vivido siempre aislada en un torreón al que su madre acude sin falta todos los días. La chica no sabe que en realidad es la princesa del reino, raptada por una malvada hechicera cuando solo era un bebé, y que quien dice ser su madre es, evidentemente, la hechicera. Con la única intención de aprovecharse de la juventud que los mágicos cabellos de la princesa le proporcionan, la hechicera cría a Rapunzel como a su hija y evita que abandone la torre bajo el pretexto de protegerla de los males del mundo. Sin embargo, la curiosidad de la muchacha y la intervención de un joven (y apuesto) bandido la harán emprender una aventura más allá de los confines de la torre donde permanece voluntariamente prisionera...

Cuando en la primera escena Rapunzel empieza a cantar “When Will My Life Begin?” pensé que (yo) era idiota, que pese a lo amable y llevadero de la canción me había dejado engañar otra vez por las buenas críticas y que me tocaba tragarme hora y media de musical... La realidad fue bien distinta; hubo musical, pero me lo pasé como un crío de cinco años viendo la peli. Mejor, de hecho, a juzgar por el diablillo inquieto que no paraba de jorobar a nuestro lado, preguntando cada dos segundos a su sufrida madre cuándo acababa la película. Mantra: no hay que ir en fin de semana a ver pelis de dibujos, ¡no hay que ir en fin de semana a ver pelis de dibujos! Si ya lo sé, ¿por qué caigo en la misma trampa una y otra vez?

Digresiones varias al margen, el gran lastre de Enredados sería, obviamente, que cantan. Eso que tanto gusta a la gente de las pelis Disney a mí me pone los pelos de punta pero, mira por dónde, esta vez las letras están bien elegidas, tienen que ver con la trama (más o menos, tampoco nos pasemos) y dan buenos números como "Mother Knows Best”, donde la hechicera se convierte en una diva del Hollywood clásico, con bajada de escaleras y todo, o "I’ve Got a Dream", en la que una taberna repleta de asesinos y proscritos rompe a cantar marcándose la coreografía de turno ―el viejete borrachín cupidesco es la monda―. Incluso se permiten bromas autoreferenciales como que Flynn Rider, el ladronzuelo protagonista, afirme "yo no canto" y le obliguen a unirse a la función a punta de espada. Sin embargo, mi momento musical favorito es uno instrumental (o sea, que no cantan XD) con claras influencias célticas en su crescendo final. Con todos vosotros, “Kingdom Dance”:
.

Técnicamente, Enredados alcanza cotas muy altas. Bajo su aparente sencillez de tonos pastel hay un gran trabajo de texturas e iluminación, y los personajes son un prodigio de animación y expresividad: las dos caras de la hechicera/madrastra están muy conseguidas, es una gran villana; Rapunzel escapa al arquetipo de damisela en peligro mediante ramalazos de carácter que contribuyen a crear buena parte de los momentos cómicos (como sus reacciones bipolares durante la huida, geniales), el resto caen en manos de Flynn, Maximus y Pascal (caballo de la guardia real y camaleón camorrista, para más señas). Sobre estos dos últimos cabe señalar que sacan nota en el siempre difícil arte de trabajar con personajes mudos. De hecho, el dúo formado por Flynn y Maximus ―que se comporta más como un perro gigante que como un caballo― protagoniza las escenas más absurdamente hilarantes de la película (¡duelo a espada!). Como siempre, los guionistas tienen el detalle de recordar que hay adultos acompañando a su público objetivo y se esfuerzan porque ellos también pasen un buen rato.

Todo lo arriba citado contribuye a incrementar el buen rollo general que desprende Enredados. Es tan previsible como puede serlo Disney adaptando un clásico, pero es amena, muy divertida y, oye, encantada de serlo. Si tenéis hijos, sobrinos o hermanos pequeños, tenéis la excusa perfecta para acercaros al cine. Si no, asumid con orgullo que por dentro seguís siendo como niños (quizá sin el “como”) y no os la perdáis.

¡Saludos!

83ª Edición de los Oscar

2011-02-28T13:03:00.001+01:00

¡Noche de Oscars! Sin tiempo que perder, demos un repaso a la lista de ganadores:

Película: El Discurso del Rey

Dirección: Tom Hooper (El Discurso del Rey)

Actor principal: Colin Firth (El Discurso del Rey)

Actriz Principal: Natalie Portman (Cisne Negro)

Actor secundario: Christian Bale (The Fighter)

Actriz Secundaria: Melissa Leo (The Fighter)

Guión original: El Discurso del Rey

Guión adaptado: La Red Social

Film animado: Toy Story 3

Efectos especiales: Inception

Montaje: La Red Social

Edición de sonido: Inception

Mezcla de sonido: Inception

Banda Sonora: La Red Social

Maquillaje: El Hombre Lobo

Vestuario: Alice in Wonderland

Dirección artística: Alice in Wonderland

Fotografía: Inception

(Lista completa de vencedores y nominados).

En términos de relevancia, la gran triunfadora ha sido El Discurso del Rey (habrá que verla). Probablemente era la incógnita de la noche, pues varias candidatas presentaban opciones para vencer. Teniendo en cuenta que director y película suelen ir de la mano, esto dejó huérfanas a Valor de Ley ―que se fue de vacío― y La Red Social, que después de todo el hype tuvo que “contentarse” con el guión adaptado (previsible), montaje y… ¿ banda sonora? Con esta reconozco que me he quedado fuera de lugar; ni siquiera recuerdo que la película tuviera un tema central o emblemático, con eso lo digo todo. Los de Natalie Portman y Christian Bale estaban casi cantados, con lo que la actriz secundaria era la única categoría donde podía presentarse lucha entre las candidatas. Finalmente fue a parar a una sorprendida Melissa Leo, que obsequió a los presentes con un sentido “fuck”; entre ella y Bale, el equipo tras The Fighter se lleva una merecida recompensa.

Inception ha obtenido los clásicos galardones técnicos con que se compensa a aquellas obras que, pese a su calidad, jamás serán premiadas mientras la academia vote mediante criterios tan clasicistas e ignore sistemáticamente a terror, ciencia ficción, acción, etc. Lo de siempre, vamos. Al no haber visto El Discurso del Rey ni Valor de Ley no sé si ha habido un reparto justo de galardones. Acorde a lo que sí he visto, con el resto de categorías estoy bastante satisfecho (bien por Portman y Bale), aunque hubiera preferido mayor reconocimiento para Cisne Negro (película o director, por ejemplo).

En cuanto a la gala en sí, parece ser que no pasará a la historia por su factura técnica ni por el cero carisma de sus anfitriones, James Franco (soso e inexpresivo) y Anne Hathaway (correcta), que se encargaron de demostrar que, como se venía rumoreando, eran una mala elección. Después de ver presentando a ese torbellino de hombre que es Hugh Jackman, sacándose un número de la nada (“I’m Wolverine”, con un par ;>), me temo que nada está a la altura… Si pasáis por la web oficial de los Oscar podréis ver el clásico vídeo divertido de apertura en que se da un repaso a todas las nominadas, echar un vistacillo a lo más sexy y raro de la alfombra roja y demás parafernalia que rodea a esta gala.

¡Saludos!

Cine: "Cisne Negro"

2011-02-23T11:10:00.000+01:00

El privilegio de conseguir el papel principal para "El lago de los cisnes" recaerá sobre aquella bailarina capaz de encarnar al cisne blanco, taimado y puro, y al cisne negro, sensual y salvaje. La perfección técnica de Nina (Natalie Portman) hace de ella el perfecto cisne blanco, pero carece de la espontaneidad que requiere el cisne negro, algo que Lily (Mila Kunis), la nueva bailarina del ballet, posee de forma natural...

Si alguien todavía dudaba del talento de Natalie Portman, esta película servirá para quitarle la venda de los ojos: su interpretación deja sin palabras y sobresale en una película que ya de por sí descoloca con su particular atmósfera malsana. En una escena, el director de la compañía de ballet, Thomas (Vincent Cassel), afirma que en la perfección hay un componente de riesgo, de dejarse llevar para sorprenderse a uno mismo y a los demás. El director se aplica el cuento: Cisne negro es arriesgadísima. La cámara en mano vibra, es caótica, se pega a los personajes cerrando el encuadre, cortando la respiración o siendo un miembro más de las coreografías; la imagen tiene grano y es sucia, oscura; la violencia es realista, palpable, descarnada y asquerosa; los efectos de sonido aumentan la sordidez... Sin embargo, en lugar de apartar la vista, algo morboso empuja a seguir mirando.

Es complicado hablar de esta película sin reventar nada, no quiero dar pistas ni poner nombres o etiquetas. Solo diré que es el retrato de una obsesión, de adónde somos o no capaces de llegar por aquello que anhelamos. Por la forma en que lo cuenta, Cisne negro ha sido tildada de ridícula, excesiva, obvia, tópica, facilona, tramposa... Probablemente sea cierto (en parte), pero también lo es que lo da todo, que se moja y que posee secuencias bellísimas que pasaran a la historia del cine. En una de ellas ―aquí no diré cuál―, me hubiera puesto en pie y aplaudido hasta que me sangraran las manos... ay, en el Festival de Sitges hubiera podido hacerlo (¿por qué no la estrenaron allí?). En La fuente de la vida, pese a no comprender totalmente el mensaje que quería transmitir, me sentí irremediablemente atraído por la parte emocional de la historia y la fuerza de sus imágenes. Al no haber visto Pi, Requiem for a Dream y The Wrestler, me pregunto si esas son las características habituales del cine de Darren Aronofsky ―dad por hecho que pronto lo averiguaré―, pues en Cisne Negro también quedé seducido por tal intensidad desde el primer minuto.

Con esta su quinta película, el director se ha ganado nominaciones en los Oscar a mejor película, director, actriz principal, montaje y dirección de fotografía. No sé qué pensaré en una semana porque no he visto ni la mitad de las películas nominadas, pero ahora mismo se los daba todos en un arrebato... Luego me acordaría de Inception, claro, y me obligaría a repartir: sin dudarlo, le pondría un lazo rojo y una etiqueta a nombre de Natalie Portman al galardón a mejor actriz; así su Globo de Oro tendría compañía. Mila Kunis también está genial y Vincent Cassel es otro de mis puntos débiles rarunos… Con tan poca imparcialidad, más claro ya no lo puedo dejar: sea cual sea el resultado obtenido en la gala de este domingo, para mí Cisne Negro se ha convertido por méritos propios en un clásico moderno que a nadie dejará indiferente.

¡Saludos!

Cine: "Kick-Ass", "Scott Pilgrim", "Ga'Hoole", "Adiós, pequeña, adiós", "Harry Potter 7" e "Imparable"

2011-02-17T01:37:00.001+01:00

Con más de un mes de retraso, espero que esta entrada sirva para liquidar los asuntos pendientes del 2010. Algo olvidaré, no cabe duda, pero espero comentar brevemente sobre todo aquello que me llamó la atención en pantalla grande durante los últimos meses del año. ¡A por ello!

Hiper violenta y macarra, así es Kick Ass. Matthew Vaughn trasladó a la pantalla grande las viñetas de Romita Jr. con un resultado cuestionable. En mi opinión, es una desgracia que la adaptación no fuese completamente fiel, pues al final la versión en celuloide acepta y claudica con todo aquello contra lo que el comic despotrica. Por esa razón, si bien la primera mitad es una auténtica pasada, el final es sencillamente terrible, la obra de alguien que no ha entendido nada de nada.

Por lo demás, tan solo quiero señalar que se me hizo extraño ver hechas "realidad" las crudas imágenes que con tanto desparpajo plasmaba Romita Jr.en el papel (con honores para Chloe Moretz y su deslenguada Hit-Girl y para el inconmensurable Nicholas Cage) . Me hizo pensar en cuán distintos son ambos formatos... Kick-Ass se queda a medias en su trangresión: buena idea, desarrollo mejorable.

Canción destacada: "Stand Up" (The Prodigy).

Otra adaptación, en esta ocasión de los seis tomitos estilo tankoubon de O'Malley. En resumen, Scott deberá batir a los siete malvados ex-novios de Ramona Flowers si quiere estar con ella sin interferencias… ¡toma premisa! Estos no me los he leído; quien sí lo ha hecho asegura que la esencia está ahí, perfectamente encapsulada. Scott Pilgrim Contra el Mundo es una peli perfecta para unos e imposible para otros pues, a diferencia de Kick-Ass, asume plenamente lo que es y lo lleva a sus últimas consecuencias (visuales y narativas): ser demasiado friqui es a la vez su mayor virtud y su peor defecto.

A mí Michael Cera me molesta más que un puñal en el ojo, pero sin él la película hubiera tenido aún menos repercusión de la que tuvo. Pero, para compensar, ahí están Chris Evans, Kieran Culkin y un Brandon Routh rubísimo e hilarante (“tell to the cleaning lady on Monday” XD). El público mayoritario, entre el cual me incluyo para este caso, opinará que la fórmula se agota pronto y se quedará fuera de la película o con sensación de no tener claro qué opina: la cantidad de guiños, ya desde los créditos, es infinita; pillarlos va en beneficio proporcional de la diversión. Si no hubiera abandonado ciertas aficiones, sé que la veneraría como la cima del género que es. ¿Estamos ante el cine de las nuevas generaciones?

Canción destacada: otra vez los The Prodigy, con "Invaders Must Die" (marcando tendencia desde el trailer).

Las lechuzas épicas planean de nuevo sobre este blog y lo hacen con estilo, sobre todo a cámara lenta (que para eso dirige Zack Snyder). En La Leyenda de los Guardianes, el argumento gira en torno a dos hermanos lechuzos y a cómo una de las razas quiere imponer su mandato de terror sobre las otras. Kludd, el hermano moteado de ojos encabronáos, abraza el mal un poco porque sí, porque es rencoroso y un poquito cabrón y tiene celos de Soren, el hermano plumiblanco de ojos redondos que es tan bueno planeando como Oliver haciendo filigranas con el balón (lo cual ya sabemos que despierta el instinto homicida del Anakin que todos llevamos dentro).

Tercera adaptación consecutiva, esta vez de una saga de novelas de la que se pica de aquí y de allá: el conjunto es aparente, pero algunos tramos se sienten un poco forzados. Cabe destacar un uso acertado del 3D (preciosas secuencias de vuelo), un par de giros sorpresas decentes y un adorable gusto por lo macabro poco propio de una peli supuestamente infantil. ¡Bien por las lechuzas!

Ya sé que no es del invierno pasado pero en The Town os prometí que hablaría de ella si me gustaba. ¡Y aquí estoy! (recuerdo a los despistados que Adiós, pequeña, adiós es la primera película como director de Ben Affleck). Creo que The Town es más redonda, pero hay en esta una atmósfera enfermiza muy lograda, además de que el final da mucho que hablar (dilema moral de los buenos).

Está basada en una obra de Dennis Lehane, con quien he pasado de no haber oído su nombre en la vida a saberlo "todo" de él en un mes ―a nadie le sonará una historia llamada Mystic River, ¿verdad?―. La novela adaptada es la cuarta de la saga dedicada a los detectives Patrick Kenzie y Angie Gennaro, colegas al principio y amantes algo después, que van por Boston encontrando a gente desaparecida, entre otras cosas. Al zambullirnos directamente en medio de de la saga de unos personajes con un pasado construido, hay momentos en los que quizá andemos algo perdidos (la relevancia de los contactos de Patrick, por ejemplo, como Bubba, capo de la zona...y su mejor amigo). Sin embargo, es una película tan intensa y emocional (insisto en su moralidad/amoralidad) que los bachecitos fruto de ser una adaptación quedan compensados con creces. Ben Affleck sorprende y Casey Affleck se sale (todo queda en casa). Muy recomendable.

pd: Cosette, vida, podrías enrollarte y hacer la crítica literaria paralela... ;)

¡Última adaptación del día! Con Potter vamos al grano, que tras tantos años hay confianza: el quinto fue el último que me leí y la sexta tuvieron que explicármela a medida que la iba viendo. En cambio, con esta primera parte de la séptima, Las Reliquias de la Muerte, (casi) todo fue como la seda. No sé si es fiel a la novela o no, pero la narrativa fluía más o menos sin problemas, ya que en Potter siempre hay algún personaje secundario que se medio escapa, como en esta podría ser el amor de juventud de Dumbledore.

Y, para aquellos que ya la habéis visto, llega el momento de la polémica... ¿a favor o en contra de la extensa huída? Totalmente a favor, sin dudarlo un segundo: transmite la desesperación e impotencia que sienten los personajes ante la debacle que están viviendo; si Ron reapareciera antes el tempo dramático se iría al carajo; ese Horcrux mola y, por encima de todo, la escena del baile es bella, triste, emotiva y (¡por fin!) adulta.

También quiero destacar el fragmento animado que cuenta la historia de la Muerte y las reliquias. Aunque se les adelantaran con la idea en Hellboy II e incluso en Kill Bill Vol.1, soy un vendido cuando me cuelan arte en pequeñas dosis de forma tan elegante. Tengo ganas de ver cómo cierran el círculo.

Y la última de la tanda: Imparable. Tony Scott vuelve a la carga para contarnos cómo una empresa ferroviaria intenta evitar el descarrilamiento de un tren de chorrocientas mil toneladas. El conflicto se nos cuenta a través de dos trabajadores, un veterano que las ha visto de todos los colores (Denzel Washington, fetiche del director) y un novato en su primer día que está hasta el gorro de que le miren por encima del hombro (Chris Pine). Mediante una premisa sencilla, Scott se las arregla para plantear una clásica historia de buenos y malos ―millones de dólares perdidos y la reputación por los suelos a un lado de la balanza; una ciudad arrasada y cientos de familias sin hogar en la otra―, ensalzar el valor de la familia, dejar que Denzel haga un poquito el histrión (si no no sería Denzel ;p), hacer creer que pasan cosas cuando no es verdad con decenas de travellings circulares y, sobre todo, que el espectador esté en vilo, con el culo al filo de la butaca, manteniendo la tensión en todo momento. Acción clásica, de apariencia artesana pero enérgica y con poquitos elementos muy bien combinados. No se puede pedir más.

Menudo tocho, otra vez. Aquí acaba mi 2010 cinéfilo (creo). También creo que el 2010 seriéfilo merece una entrada, ya que hubo mucho y bueno. Procuraré buscarle un hueco después de Enredados y la inminente Cisne Negro. Seguid conectados ;>

¡Saludos!

Series: el adiós a "Friday Night Lights"

2011-02-14T12:15:00.001+01:00

Ha acabado Friday Night Lights. Con un par de renovaciones inesperadas y cinco temporadas a sus espaldas, NBC ha cerrado una de sus series más queridas y alabadas en un capítulo final de sesenta minutos donde se han atado casi todos los cabos sueltos. Pocas series llegan tan lejos y con tanta clase: los de Dillon pueden estar contentos.

Como detractor del drama desatado, si algo agradezco a FNL es el haberse mantenido alejada de la lágrima fácil. La paraplejia de Street, asunto espinoso, fue llevada con total dignidad; la muerte del padre de Saracen, devastadora; nadie ha sufrido enfermedades terminales y las situaciones en las "familias desestructuradas" se han desarrollado en el terreno de lo tolerable (abortos, exconvictos por duplicado y demás). De hecho, pese a la dureza de algunos temas es una serie optimista que nos habla de buena gente, y el finale ha concordado con este espíritu positivo.

En efecto, hemos tenido final feliz en casi todos los frentes. Sin embargo, creo que como cierre fue más satisfactorio (en cuanto a coherencia con los personajes) el de la tercera temporada, y en global ha bajado el listón de la cuarta, de mayor intensidad emocional y social. Supongo que, además, como me atrae la épica de los perdedores, ver a los Lions arrastrándose por el barro (literalmente) me pareció más interesante que el camino de rosas mostrado en la quinta. ¡Menudo equipazo, el del Coach Taylor! Demasiado bueno para solo un año de rodaje, ¿no? En su afán por contar sin mostrar, la victoria de los Lions y el dulce destino de los personajes se muestran mediante una elipsis de ocho meses, magnífica. Aunque ha habido refriegas a nivel interno, claro, surgidas del ego descontrolado de Vince o de un arrebato de juego sucio ante la adversidad (con Billy Riggins como “ideólogo”), pero nunca dudé de que el muchacho terminaría reencauzándose o que los Lions rugirían de nuevo con elegancia. Por otra parte, he echado en falta la amenaza durmiente que representaban los Panthers, encabezados por ese idiota en el que previsiblemente se había convertido J.D.

¿Por qué J.D. no ha sido el rival a batir en un brazo a brazo contra Vince? Esa es otra de las cosas que FNL hace a menudo... Discutiendo con Tami, Coach comenta de refilón que los McCoy ya no están en la junta de los Panthers, como si fuera vox populi, y se quedan más anchos que largos. Aunque al menos hay que agradecer que dieran una explicación, pues peor fue lo que hicieron con Santiago: fin de temporada y... ¡puf! Nunca más se supo de él. Ni siquiera una mención del tipo “tuvo que mudarse pero habla con Buddy a menudo” o “mira, pese a las apariencias, las drogas y su gente le tiraban más que el football y murió de sobredosis en un callejón”. Nada. Como si no hubiera existido.

Comprendo que no se explique cada detalle de lo que ocurre en una trama ―la serie no avanzaría entre tanto secundario―, y es normal que los actores se marchen a otros proyectos; unas veces para regresar, otras, no (la dictadura del mundo real). Entiendo también otros recursos, pero cuando se emplean de esta forma suenan a deus ex-machina de última hora para forzar la narrativa (la decisión de Coach y su antagonismo con Joe McCoy, ya inexistente) o a excusa para desarrollar tramas del personaje más repelente de FNL solo porque es el único actor disponible o porque “toca” que siga ahí. ¿Adivináis quién? Sí, amigos, ni más ni menos que la hijísima, Julie Taylor.

Julie, Julie... qué petarda eres, niña. Parece mentira que de una hembra como Tami Taylor haya salido semejante bicho. Si no habían seguido a nadie en su aventura universitaria, ¿por qué hacer la excepción precisamente con ella? Tras su tontería con el profesor cuasi-pedófilo, la muchacha se deja caer por Chicago y resulta que no deja de pensar en Saracen... ¿Mandeloqué? Las líneas de Julie han sido, de largo, lo más duro de tragar de toda la serie. Confieso que soy un rencoroso y aún no le he perdonado lo del sueco, aunque pasara en una segunda temporada tan lejana como en general olvidable, así que casi me muero cuando Matt se arrodilla para pedirle matrimonio. Adoro a Saracen pero lo de este chico es auténtico mal ojo ―aunque creo que en realidad es un plan urdido con maestría para estar más cerca de Tami Taylor... sí, definitivamente tiene que ser eso... ;p―.

Esto me lleva a los ansiados retornos, donde ha habido un poco de todo. A Matt le van bien las cosas en Chicago y confía más en sí mismo ―¡hasta le planta cara al Coach!―; Riggins ha salido de prisión e intenta rehacer su vida; y Tyra se ha apuntado a la campaña "Si pasas por Tejas, fóllate a Tim", tan de moda entre las bellezas de Dillon ―¿este chico no estaba colgado de Layla?―. Tras el profundo y emotivo discurso de Tyra al final de la tercera temporada, pensaba que la chica había aprendido a poner la razón por delante del músculo. Por desgracia, me equivoqué. Ya sé que dejó tirado a Landry en aquella carretera, pero realmente esperaba que retomaran su relación, aunque fuese como amigos; no obstante, ni siquiera comparten un mísero diálogo. Su confesión de estar enamorada de Tim desde los cinco años me sonó a out of character, a anti-narrativa, a dar un paso adelante y dos atrás. La reaparición de Landry toma cuerpo mediante una micro-escena con Matt, con lo que devolvemos a un grandísimo secundario a la posición de salida, al banquillo en el que nunca debió estar: es la cruz de ser el feo entre tanto aspirante a modelo. Lástima.

A Landry le prohibieron salir en esta foto

También confieso (en una línea análoga de pensamiento) que no comprendo la fascinación general por Tim Riggins. Antes pensaba que tanta cerveza le ralentizaba las neuronas, que era tonto, vamos (entrañable y bonachón, también, como su hermano, pero irremediablemente tonto); ahora, además de corto, estaba amargado tras su paso por la cárcel. Me alegra que recuperara sus monosílabos quejumbrosos para el último capítulo ―cada cual a su ritmo, oye―. Lo que hizo por su familia fue una pasada y ni por un segundo le estoy quitando mérito pero, al contrario que Landry, goza de un físico apolíneo, deseable para el público y amortizable para la cadena, que le garantiza una buena ración de tiempo en pantalla. Llamadlo envidia, si queréis; I don’t care.

Siguiendo con los personajes, para hacer incorporaciones en la última temporada y que no sean un pegote hay que tener un plan perfectamente trazado, cosa que no ha ocurrido con Hastings, Buddy Jr. o Epyck: los tres comenzaron con buen pie pero pronto perdieron fuelle. El primero, alguien ajeno al football, nos ofreció dos saltos y una sonrisa picarona. Punto. El hijo de Buddy (acierto increíble de casting) nos regaló un momentazo con su padre con aquel “¡¿Hijo, cómo puedo ayudarte?!” y de ahí al olvido; no sé vosotros, pero yo me preguntaba qué hacía en las juergas nocturnas con Vince y Luke ―le hacían pagar las birras, fijo―. Y Epyck ha sufrido los efectos del reverso tenebroso del “altruismo metomentodo” de Tami Taylor: no solo no la ayuda sino que a la pobre chica la cambian de instituto otra vez, su mayor temor. Vista la aportación del trío, se los habrían podido ahorrar y dedicar el tiempo a… no sé, ¿a Landry? Un último concierto de los Crucifictorius hubiera sido brutal ;>

Tal vez creáis que estoy siendo demasiado duro, hilando demasiado fino. Pues no y sí. Lo dicho arriba son todos los defectos que la serie tiene, no en la última temporada y el capítulo final sino en su trayectoria completa. ¿Queréis que la comparemos con Lost? Je. Por lo demás, Friday Night Lights ha sido una serie excelente y ejemplar. Al final, se han atrevido a quitarle la sábana al fantasma que se escondía en Dillon: el machismo de Eric Taylor. El Coach es un tipo honesto, implicado, rudo, trabajador… y pone palos en las ruedas de Tami cada dos por tres. Su "Who's gonna make me dinner?" fue toda una declaración de intenciones por parte de los guionistas; probablemente la semilla se plantó con aquel "I miss the Coach's wife" y la genial réplica mordiente de Tami, "I have yet to know the Principal's husband". Qué buenos momentos nos han brindado los Taylor y cuánto se les va a echar de menos… En estos últimos capítulos ha surgido entre ellos una tensión que ha puesto a prueba la fortaleza de su relación pero, igual que con los arrebatos de estrella de Vince, nunca temí por ellos. Perdón, casi nunca: a él le cuesta tanto tomar la decisión de irse a Philadelphia con Tami que por un instante creí que no lo haría. De ser el caso, ni ella ni yo se lo habríamos perdonado. No contento con romper estereotipos, Coach se lo curra y da un empujoncito a la carrera de entrenadora de Jess, otro de los grandes personajes de la segunda época de FNL.

Ése es otro de los méritos de la serie. A diferencia de Hastings & Co. (un mal menor), otros han logrado ser tan importantes como lo fue la primera generación en solo dos temporadas: Vince, Jess, Becky y Cafferty. Durante la cuarta se centraron mucho en Vince Howard, en el "Dillon negro", los suburbios, la otra cara de la moneda; Jess, aunque no fuese un gladiador en el campo de juego, tenía tanta garra como él; Becky se abría paso con su ternura y Cafferty quedó desdibujado. Aceptando que Luke no tenía el carisma ni la presencia de Vince, al final han equilibrado parcialmente la balanza y han jugado a que el todo fuese mayor que la suma de las partes: las parejas.

Tengo los “ships” en baja estima, la verdad vaya por delante, pero FNL es experta en romperme los esquemas. ¿Una serie sobre football en el Tejas profundo? ¡Bahhhh! ¿Yo interesado en parejitas? ¡Por favor! Viendo FNL y admirando a los Taylor aprendí a morderme la lengua, solo para mordérmela otra vez con Matt y Julie (a ratos), Tyra y Landry (sniff...), y ahora con la amazona Jess y Vince (otro revés para Landry), con los inocentes Luke y Becky y los extrañamente adorables Billy y Mindy. Este par han tenido una evolución de lo más curiosa a lo largo de la serie, de plantearte qué diablos hacían juntos a ser inseparables. Las frecuentes miradas asesinas de Mindy hacia su marido (un hombre de ideas peregrinas) lo dicen todo, pero tanto para ella como para nosotros es imposible no adorar a Billy Riggins. Mete la pata a menudo, muy a menudo… nunca con mala intención. Como ya han señalado otros bloggers, la relación de esta pareja con Becky funda los cimientos de lo que podría ser el relevo natural de los Taylor en el noble arte de ayudar al prójimo ahora que estos se marchan. Dos de las escenas finales más emotivas son para ellos: la despedida de Becky y Mindy, bajo cuya apariencia de tía dura late un corazón enorme; y los hermanos Riggins, por fin en paz, construyendo la casa de Tim y brindando por una vida próspera (y legal) en Tejas.

Friday Night Lights tiene un carácter propio, calmado y reflexivo, con el que ha reflejado la atmósfera particular y endogámica de Tejas, de la que sorprendentemente ha sabido hacernos partícipes. Sufrimos con los Panthers y después con los Lions, siempre de la mano de los Taylor, y nos preocupamos por los problemas y alegrías de un grupo de adolescentes en su camino a la madurez. Con su buen hacer, se ha ganado el respeto de la crítica y el cariño del público semana a semana durante cinco años hasta ser considerada un ejemplo de cómo lidiar con las emociones, de cómo perfilar personajes inolvidables (gracias a un formidable elenco actoral), tan humanos que escapan de la pantalla y se cuelan en nuestras vidas... Tal vez no sea una serie perfecta, pero tampoco lo necesita.

Dillon, you’ll be missed.

¡Saludos!

pd: os recomiendo encarecidamente visitar Diamantes en serie, hogar virtual del imprescindible Nahum. Allí encontraréis dos de sus múltiples joyas: su reseña del final de FNL y un precioso homenaje a la mejor serie que ha pasado por televisión, The Shield. ¿A qué esperáis?;>

Cine: "The Fighter"

2011-02-09T10:57:00.000+01:00

El pasado enero comenzó la carrera de los Oscar al hacerse pública la lista de nominadas. Tras ver The Fighter uno comprende que sea candidata en varias categorías y, junto a Black Swan y El Discurso del Rey, una de las aspirantes a arrancarle premios de las manos a ~~esa tontería sobrevalorada que es~~ La Red Social. ¿Qué ofrece la película de David O. Russell para ser merecedora de estatuilla?

Para comenzar, un jab al mentón. The Fighter narra una historia de esas que tanto gustan a la academia (y al público) de superación personal con regusto a Rocky, a Cinderella Man y a toda la tradición moderna de buen cine pugilístico: la del boxeador de clase baja al que se le brinda una oportunidad. Los encargados de truncar una y otra vez las aspiraciones de Micky Ward ―Mark Wahlberg, que también ejerce de productor― serán su propia familia, abanderada por la madre choni (Melissa Leo), un ejército de increíbles hermanas sacadas de la peor pesadilla ochentera y su hermano Dicky (Christian Bale), ex-boxeador de carrera lastrada, entrenador de Micky y... adicto al crack. Sus aliados serán su novia (Amy Adams), un amigo de la familia... y también su hermano, por contradictorio que suene.

La película ha sido criticada por ser competente en todos los frentes y, sin embargo, carecer de personalidad ―por ahí arriba cito a otra a la que se le podría aplicar el cuento… uy, no, que esa es “clásica”…―. Se sabe que Wahlberg ofreció la batuta a Scorsese, quien rechazó dirigirla, por lo que se lee a David O. Russell como una elección conformista. No obstante, bajo el mando del director de Tres Reyes, comprendemos a los personajes ―empatizamos con la situación familiar de Micky, realmente chunga, a la vez que adoramos al tarambana de Dicky― y las secuencias se resuelven de forma solvente. Es cierto que los combates tal vez no sean espectaculares, pero en realidad tampoco lo pretenden; mediante cámaras digitales, las imágenes hablan con el lenguaje en tercera persona de los programas deportivos y los documentales, sin que por ello dejemos de notar cómo duelen los ganchos que Micky propina y recibe.

The Fighter es un drama serio y realista, recomendable en conjunto y que, además (aquí no voy a ser nada original), ofrece una de las interpretaciones del año: Christian Bale está que se sale ―¿acaso alguna vez ha estado mal?―. Creedme, solo por verle a él ya merece la pena pagar el precio de la entrada.

¡Saludos!

Libros: "El Silencio del Bosque" ("In The Woods")

2011-02-04T13:22:00.003+01:00

En “The Strike Blog” siempre he echado en falta hablar de comics y libros. A lo primero espero ponerle remedio en breve (esta vez, de verdad), y a lo segundo se lo pongo ahora mismo inaugurando sección con la primera crítica literaria del blog, El Silencio del Bosque.

Sin embargo, doy un paso atrás para ceder el protagonismo: siempre buscando ofrecer lo mejor a mis amados seis lectores, he decidido dejar no solo esta reseña sino la gestión general de la sección de libros en las expertas manos de Cosette, ávida lectora y, sin duda, la persona adecuada para encargarse de ella. Analítica pero pasional, directa, ecléctica y, a veces ―cuando más me gusta―, controvertida; a partir de ahora la leeréis a menudo y podréis beneficiaros de sus recomendaciones (o sus críticas). Ah, no ha habido enchufe, que conste; sin la calidad que la respalda le daba puerta como a cualquier otro… ;p

¡Bienvenida, Cos, y al toro!

El Silencio del Bosque

por Cosette

El Silencio del Bosque (In the Woods. RBA, 2010) es la primera y ampliamente galardonada novela de Tana French. Esta autora, norteamericana de nacimiento pero irlandesa de adopción, dejó pasmados a crítica y público con su debut literario en 2007 y, actualmente, con solo tres (excelentes) novelas en el mercado, está considerada como una de las escritoras de género negro más prometedoras. French posee un talento especial para conjurar una imaginería poderosamente bella y evocadora, y construir personajes dotados de una gracia y encanto poco habituales. Me atrevería a afirmar que El Silencio del Bosque forma parte del selecto grupo de obras que ejercen un permanente enganche en el lector y perviven en nuestra memoria largo tiempo después de pasar la última página. Y es que este atípico thriller, un ejercicio literario preciosista en la forma y valiente en el fondo, es uno de los mejores libros que he leído recientemente.

La acción de la novela se sitúa en Irlanda en el año 2004, pero nos remite a los acontecimientos acaecidos una tarde de agosto de 1984, cuando tres niños de 12 años se adentran en el bosque de Knocknaree, en las afueras de Dublín, y desaparecen misteriosamente sin dejar rastro. Esa misma noche la policía encuentra a uno de ellos, Adam Robert Ryan, abrazado a un roble, recubierto de sangre y en estado catatónico. Veinte años después, Adam Ryan, quien ahora se hace llamar por su segundo nombre, Rob, es detective de Homicidios y sigue guardando con celo aquella tragedia de infancia: aunque es incapaz de recordar nada de lo acontecido aquel día, lleva una vida aparentemente normal y feliz. Todo cambiará cuando una mañana de finales de verano aparezca el cuerpo de una niña asesinada en el mismo bosque. Ryan y la detective Cassie Maddox ―su compañera, mejor amiga y una de las pocas personas que conoce su verdadera identidad―, serán los encargados de resolver un caso que se convertirá en un veneno silencioso y letal, una pesadilla que amenazará con destruirlos a ambos.

Se me antoja que calificar El Silencio del Bosque de novela policiaca al uso es prácticamente un insulto ya que, a pesar de que podamos enmarcar esta obra en dicho género, la ópera prima de French explora magistralmente territorios que van más allá de los típicos clichés de la novela negra. La subyugante prosa de esta autora (si tenéis soltura con el idioma os recomiendo encarecidamente leer la novela en su inglés original, es una delicia) nos adentra en un misterio tenebroso, seductor y fascinante; y no por la naturaleza del caso en sí ―aquí no hay asesinos en serie de primer orden, ni el típico tipo normalito e introvertido que guarda órganos humanos en su Tupperware; por no haber, ni siquiera hay la ineludible persecución con tiroteo incluido―. El caso al que se enfrentan Rob y Cassie no tiene nada en particular: se trata de una pobre niña asesinada y abandonada en las entrañas de un bosque. Sin embargo, la inquietante posibilidad de que este homicidio esté relacionado con los sucesos de hace 20 años hará tambalear de forma lenta pero inexorable la cordura de Rob y pondrá a prueba la inquebrantable amistad con su compañera. Y es que el bosque que figura en el título no solo se refiere a la escena de ambos crímenes, sino a los recovecos de nuestra memoria, a nuestros miedos e inseguridades, a esa maraña de sentimientos oscuros y contradictorios que tejen un follaje tan denso e impenetrable que no nos permiten ver el cielo azul ni encontrar el camino de regreso a casa.

Si bien no voy a negar que la parte estrictamente procedimental de la novela puede resultar cuestionable en algunos aspectos, una de las grandes bazas de esta obra son las excelentes caracterizaciones y el innegable carisma de sus personajes ―especialmente de la joven pareja protagonista, los detectives Ryan y Maddox―. La novela está narrada en primera persona por Ryan, quien nos abre las puertas a su historia, sus percepciones y sentimientos.

Te lo advierto, recuerda siempre que soy detective. Nuestra relación con la verdad, aunque primordial, es fragmentada, confusa y refracta la luz como trozos de cristal […] Anhelo la verdad. Y miento.

Con estas palabras Rob se presenta al lector, y a este le corresponde decidir si alguien que corteja la verdad como a una amante pero que no tiene escrúpulos en traicionarla para poseerla en cuerpo y alma es digno de nuestra confianza. Rob difícilmente encaja con el estereotipo de detective que ha forjado nuestro imaginario colectivo; inteligente e introspectivo, cínico y romántico a partes iguales, divertido a ratos e increíblemente frustrante a otros, es un personaje ambiguo e imperfecto ―pero con el que no puedes evitar simpatizar al contemplar como su vida se desintegra poco a poco―. Cassie es su partenaire inseparable, su alma gemela y mejor amiga y, probablemente, el personaje con más chispa y gracia del libro. Rebelde y algo gamberra, valiente, leal y deslumbrante ―y con una historia personal que nos irá ofreciendo múltiples sorpresas a lo largo del relato―, es un soplo de aire fresco en la vida de Rob y en la atmósfera perturbadora y sofocante de la novela (y no, por si os lo preguntabais, Cassie no se parece en nada a Lisbeth Salander).

Tana French, autora de El Silencio del Bosque (In The Woods)

Si bien Ryan y Maddox resultan fascinantes por separado, es en cada una de sus innumerables interacciones ―en sus bromas y diálogos chispeantes, en sus charlas nocturnas e interminables amodorrados en el sofá del apartamento de Cassie, en la belleza esplendorosa y cruel de sus interrogatorios a dos―, en los que brillan con una química vertiginosa y arrolladora. Ni qué decir tiene que esta amistad perfecta y sólida como un muro de piedra no está exenta de aristas y grietas invisibles, y que nos veremos obligados a plantearnos una y otra vez la eterna cuestión de si una mujer y un hombre heterosexuales pueden ser solamente amigos. Sea cual sea la respuesta (y la hay), lo cierto es que algunos de los fragmentos más hermosos y emotivos de la novela son aquellos en los que Rob describe su especial relación con Cassie; he aquí uno de mis favoritos:

Las chicas con las que sueño son las tiernas y nostálgicas, las que cantan dulces canciones al piano o junto a grandes ventanales, de pelo largo y ondulante y delicadas como flores de manzano. Pero una chica que entra en la batalla a tu lado y te guarda las espaldas es otra cosa, es algo que te hace estremecer. Uno puede acordarse de la primera vez que se acostó con alguien o de la primera vez que se enamoró: esa explosión cegadora que te electrifica hasta las yemas de los dedos y te transforma como una iniciación. Juro que eso no es nada, nada de nada, comparado con el hecho de poner tu vida, sencilla y diariamente, en las manos del otro.

A estas alturas, creo que cualquier otra cosa que pueda añadir sobre El Silencio del Bosque palidece ante la gracia y destreza con la que Tana French teje el universo de Rob y de Cassie. Sin embargo, no os dejéis engañar por mi entusiasmo: esta novela dista mucho de ser una obra perfecta. Me atrevería a argumentar que es una lectura para paladares sofisticados ―y con ello no quiero dármelas de snob o elitista, pero si estás buscando un thriller al uso, ligerito y con un final para todos los públicos, mejor olvídate de este libro―.

No os voy a mentir: esta es una novela difícil y deliberadamente decepcionante; frustrante y cruel tanto en el fondo como en la forma. Iría tan lejos como para afirmar que es insatisfactoria y anticlimática en la resolución de todos y cada uno de los frentes que aborda. Sin embargo, es quizás esta cualidad la que le confiere una belleza imposiblemente conmovedora. Épica, incluso. Me atrevería a afirmar que esta historia es una alegoría de la complejidad y el enigma que envuelven a las relaciones humanas, una exploración poética de la amistad y el amor, de la verdad y la mentira, de la semilla del miedo que impide a las personas llevar una vida plena. ¿Qué decir? Adoro este libro, pero no me atrevo a revelar más. Lo mejor es que lo leáis y saquéis vuestras propias conclusiones.

pd: a modo de curiosidad, JM ha utilizado hace poco In The Woods como base para un trabajo de adaptación cinematográfica. Tal vez tengáis curiosidad por ver a quién ha elegido para interpretar a Rob y a Cassie… ;)

Música, Maestro (V): Barbra Streisand

2011-01-24T21:57:00.000+01:00

Todo vale para combatir el estrés. Y más si es un tema tan sencillo, pegadizo y brutal como "Barbra Streisand".

Because the sauce makes the difference ;)

¡Saludos!

pd: a los que, por el título de la entrada, pensábais que iba a hablar de la prolífica diva nariguda, pues...

¡FELIZ AÑO NUEVO!

2011-01-01T02:47:00.000+01:00

Libros: "A Dance with Dragons"

2010-12-28T03:02:00.004+01:00

¡George RR Martin ha acabado A Dance with Dragons! Han pasado cinco años desde que publicara A Feast for Crows, el cuarto volumen de la saga. ¿Por qué tanto tiempo? La explicación es sencilla: el texto final tiene la friolera de 2454 páginas. Tras las dificultades experimentadas con la encuadernación de A Storm of Swords, los editores han decidido que, por el momento, solo saldrá a la venta en formato de libro electrónico. Algunos aficionados no están nada contentos con la decisión ―se desconoce la postura del autor al respecto―, pero la espera ha sido tan tediosa que lo consideran un mal menor.

Martin aprovechó su paso por el Cardigan Winter Food Festival para hacer público otro nuevo bombazo: la saga amplia su número de volúmenes de los siete actuales a doce. El mundo de la literatura está de enhorabuena, sin duda, pues tendremos fantasía de primer nivel durante muchísimos años más. "Es difícil predecir cuándo daré por concluido "Eternal Agony" (título provisional del cierre de la saga), pero me tomaré tanto tiempo como sea necesario para asegurar que colme vuestras expectativas", aseguró el autor a su horda de seguidores.

No contento con la doble exclusiva, reveló noticias de última hora concernientes a la adaptación a la pequeña pantalla que de su obra está llevando a cabo HBO. Por lo visto, dos nuevos nombres se han incorporado al casting, Tom Cruise y Robert Pattinson. Martin dio la verdadera sorpresa cuando confirmó que relevarían en sus funciones a Sean Bean y Nikolaj Coster-Waldau, respectivamente. El autor fue contundente en sus declaraciones: "Seamos honestos, Sean está un poco viejuno para ser Lord Eddard. Y Nikolaj… es un buen muchacho, eso no lo voy a negar. ¡Pero nunca dije que Jaime fuese Cyrano, demonios!". Para convencer a los presentes de que los últimos fichajes "harían un gran trabajo", mostró en primicia los nuevos carteles promocionales.

La reacción del público ―la madre del escritor fue nombrada en repetidas ocasiones― le recordó las bondades del anonimato en su época como guionista de televisión. Por eso, cuando se le preguntó por la veracidad de los rumores acerca de una maniobra similar entre Peter Dinklage y Verne Troyer, Martin fue más comedido con sus palabras. Se limitó a musitar un escueto "sin comentarios" y abandonó discretamente la sala.

¡Saludos!;p

Cine: "The Town (Ciudad de Ladrones)"

2010-12-25T01:53:00.005+01:00

Hace unos años, esto habría sonado a cachondeo, pero not anymore: aparta, Fincher... ¡que viene Ben Affleck!

Affleck escribe, dirige, produce, interpreta, compone, monta, distribuye y nos vende la entrada y las palomitas para The Town, Ciudad de Ladrones. Vale, quizá no haga tantas cosas, pero las que sí hace ¡cómo las borda, el condenado!

Bien es sabido por todos que este hombre, pese a sus relativos éxitos en taquilla, arrastra consigo el sambenito de actor de segunda fila (y compite con Keanu por el dudoso honor de ostentar el título de "Acelga Man", pero a eso voy otro día...:p). Aquellos que no tienen fe en el hombre de las mil caras y le conceden el mismo crédito como actor que como director harían mal en dejar pasar de largo The Town. Estarían menospreciando una historia sólida, bien contada, en la onda del mejor cine clásico y ―me voy a mojar― heredera del Eastwood reciente y con ecos de Michael Mann.

Affleck se ha rodeado de un puñado de buenos actores (Rebecca Hall, Jeremy Renner, John Hamm, Pete Postlethwaite) para rodar una historia de atracos y lealtades, sin artificios ni giros absurdos pero directa a donde más duele. Tal vez sea discutible lo improbable de la historia de amor entre clases y que Affleck se haya reservado para sí mismo el papel protagonista. Aunque puedo comprender que a alguien le duela lo primero, creo que cumple con los requisitos de desarrollo del formato; y no tengo ninguna queja de lo segundo porque veo a Affleck en su sitio, contenido y sin estridencias (¿existe un Affleck estridente?). Además, el que fue Daredevil nos ofrece la persecución más potente del año, por encima de productos que juegan en exclusiva en esta liga.

Emocionado por la calidad de la cinta, corrí a comprar Adiós, pequeña, adiós, la primera incursión de Affleck en la dirección, tan bien recibida como lo ha sido esta. Eso no quiere decir que vaya a verla en breve, sino que la añado a la larga lista de pendientes. Igual hasta me animo y, si me deja tan buenas vibraciones como lo ha hecho The Town, comparto la experiencia con vosotros.

¡Saludos!

pd: dos entradas en una misma semana... no os acostumbréis ;p

pd2: ¡¡Feliz navidad!!

Cine: "La Red Social"

2010-12-22T01:09:00.001+01:00

Cuando se estrenó La Red Social, me pregunté qué interés podría despertar una película sobre Facebook en el espectador medio. Para mí, ninguno; no tengo cuenta en ese invento de Satán y tampoco la menor intención de abrirme una, pero la cinta venida avalada de forma unánime por crítica y público. Además, aseguraban que no hacía ninguna falta conocer y gustar del invento para disfrutar de sus incontables virtudes. Al final, decidí darle una oportunidad.

Tras el visionado me asaltó otra pregunta: ¿Para qué narices he ido a ver una película sobre Facebook? Nos cuentan la historia del programa y de cómo Mark Zuckerberg, el rarito que lo inventó, dio por saco hasta a su sombra para sacar el proyecto adelante. Al final, me molestó que en una película autoconsiderada "inteligente" no me dejaran siquiera sacar mis propias conclusiones: por lo visto, Zuckerberg no era un gilipollas (un personaje nos lo aclara tal cual, ¡qué suerte, la nuestra!). Lo peor no es eso sino que ―voy a asegurarme de que captéis bien el mensaje, no sin antes concederle el estar competentemente filmada― La Red Social es ABURRIDA, un plomo de dos horas y diez minutos que no cuenta nada que no se intuya desde la segunda escena.

Mientras nadie demuestre lo contrario, tengo claro que tanto bombo viene de bailarles el agua a Aaron Sorkin, padre de El Ala Oeste de la Casa Blanca, y a David Fincher, director de Seven o El Club de la Lucha. A lo que me da por entonar a los cuatro vientos, por enésima vez, que a True Blood no la salva ni Alan Ball, y que La Red Social, sea de quién sea, no es para tanto. Tan solo hay una escena en la que siento que detrás de la película hay un director con personalidad, con algo que decir, pero está tan desconectada del conjunto en lo formal y en lo narrativo que bien podría haber caído en montaje.

¡Amigos para siempre!

Opino sinceramente que los apellidos no deberían ser tenidos en cuenta a la hora de valorar un producto o, si se tienen (como en este caso, principal reclamo del producto), que sirva para subir el listón y no para bajarlo ―la inmunidad artística es muy peligrosa―. Pese a todo, es mejor que no escuchéis mis palabras envenenadas, pues los entendidos dicen de La Red Social que es el Ciudadano Kane del siglo XXI, ni más ni menos que la mejor película de la historia... ¿Y quién soy yo para llevar la contraria a los entendidos, eh? Evidentemente, no puedo sino estar de acuerdo con ellos: la de Welles también era un peñazo.

¡Saludos!

Música, maestro (IV): VAMPS en concierto

2010-12-03T10:38:00.002+01:00

El ya lejano 12 de octubre los Vamps dieron el primer concierto de su gira europea en la sala Apolo de Barcelona. ¡Allí estaba "The Strike Blog" para cubrir la noticia con retraso!;p

Los Vamps son un grupo de J-rock que, con solo dos discos en el mercado, "Vamps" (2007) y "Beast" (2010), tienen un futuro prometedor y seguidores tanto en Japón como a nivel internacional, público con el cual mantienen un claro compromiso ―manifiesto desde sus orígenes y cumplido con los conciertos de Barcelona y París―. Nada de esto es de extrañar si tenemos en cuenta que al frente de Vamps se encuentran dos veteranos de la escena musical japonesa: el magnífico guitarrista K.A.Z. (Oblivion Dust) y el vocalista Hyde, uno de los más carismáticos componentes del grupo L'Arc~en~Ciel. Para comprobar que están curtiditos, basta con echar un vistazo al que fue su primer single, 'Love Addict', inmejorable carta de presentación.

Antes de hablar del concierto, aclaro que no soy aficionado al J-rock: con la música soy un prejuicioso del copón y sufro de tolerancia cero a casi todo lo que no esté cantado en inglés (ei, al menos soy sincero U_U). Además, mi mente hace una asociación pavloviana entre el sonido del pop-rock japonés y el anime. Desde luego, yo no era el candidato más firme al que encontrar el 12 de octubre en la Apolo... pero Cos y yo asistimos como invitados gracias a nuestra amiga Lau (¡un beso y dömo arigatö, guapa!^ ^), involucrada en la promoción y organización del evento, quien aseguró que no nos arrepentiríamos de ir. ¿Acertó? Sin duda.

Con un sonido que nada tiene que envidiar a las mejores bandas de rock, se marcaron un poderoso concierto de casi dos horas en el que tocaron temas de sus dos álbumes. El directo de Vamps es espectacular; creo que algunas canciones, como 'Trouble' o 'Hunting' sonaron incluso con más fuerza que en su versión de estudio. La única pega radicó en un exceso de decibelios que perjudicó a los registros más agudos, una nimiedad en comparación con la entrega y la calidad del conjunto.

Ju-ken, el bajista, no dejó de saltar y animar al público en todo momento (puntazo de hombre ;>). Hyde, consciente de su papel relevante, interactuaba con los fans entre tema y tema, y K.A.Z... ¡Oh, Kazu! Que sepas que te has ganado a un nuevo seguidor: ¡menudo guitarrista! Su virtuosismo técnico eclipsó por momentos al resto de la banda y en directo dotó de un aire renovado a temas como 'Samsara' o 'Live Wire', sentido homenaje a Motley Crue. Aunque aquí no soy del todo imparcial, para mí K.A.Z. fue lo mejor del concierto, tanto su incuestionable guitarra como su carisma de cocción lenta, en segundo plano pero clave en el conjunto.

Antes de poner punto y final a esta crónica en diferido, tan solo quiero dar las gracias de nuevo a Lau por su invitación y por "presentarme" a K.A.Z. También os recomiendo que deis una oporunidad a Vamps; a veces uno se lleva gratas sorpresas cuando se quita la venda del prejuicio...^^U Ahora sí, para despedir la entrada nada mejor que otro de los temas míticos de la banda: ¡Sex, Blood & Rock ‘n’ Roll!

¡Saludos!

pd: casi dos meses sin actualizar... ñ_ñU

Cine: "Buried (Enterrado)"

2010-10-08T12:37:00.016+02:00

¿Hay algo peor que ser enterrado vivo? Lo hay: que te hagan ver una película sobre ello.

No diré bajo ningún concepto que Buried es un mal producto. No estoy loco y sé ser lo bastante objetivo como para entender que Rodrigo Cortés y Ryan Reynolds han salido airosos del reto. Angustia, tensión, solvencia interpretativa y una técnica impecable son sus virtudes.

Crítica y público se han volcado en su recomendación masiva, algo que me llama la atención teniendo en cuenta que Buried no es una película para todos los paladares. Es cine puro de género llevado al extremo: un tío metido en una caja durante 90 minutos. Sin adornos. Hasta que no se está ahí, a oscuras en la sala junto a los jadeos y el zippo de Ryan Reynolds, no es uno consciente de lo que implica participar en una propuesta así de arriesgada.

Algunos pensamos que para pasarlo mal ya tenemos una variedad casi inagotable de momentos y situaciones en el mundo real. Sé que esta afirmación, demagógica hasta decir basta, debería impulsar la creación de un off-topic para debatir cuál es la función del cine: ¿entretener, educar, concienciar, innovar? No voy a llegar tan lejos (en los comentarios, si os apetece ;p); solo afirmaré que la próxima vez que un director se autoimponga un obstáculo narrativo y técnico de tal calibre, servidor pasará de largo.

¡Saludos!

Cine: "Come, reza, ama"

2010-10-03T01:31:00.011+02:00

¿No dijo hace tiempo Julia Roberts dijo que se retiraba, que dejaba la interpretación para formar una familia o algo así? Es una de esas cosas que las estrellas de cuarenta y pocos pueden permitirse porque tienen tantísima pasta que no les viene de ahí… Pues ojalá lo hubiera cumplido y nos hubiera ahorrado a todos Come, reza, ama.

El trailer tenía una pinta terrible, así que la culpa es mía en parte. No obstante, llamaba la atención que la dirigiera Ryan Murphy (no confundir con Shawn Ryan, por favor U_U). Entre eso y alguna crítica decente me dio por pensar que tal vez tuviese un enfoque original y la historia funcionara bien para dos horas porque, seamos justos, pese al esperpento habitual el piloto de Nip/Tuck era sólido y potente; igual que, en una onda muy distinta, el de Glee.

La película arranca presentándonos a Liz Gilbert, una mujer recién casada en crisis vital que decide romper con todo, marido incluido (un buen tío, por cierto), y vivir la vida como ella quiera. Los secundarios animan las situaciones y van soltando perlas del calibre de "tener un hijo es como hacerte un tatuaje en la cara: tienes que pensártelo dos veces". Gran frase XD. Para mi asombro estaba pasándolo bien y riendo casi con cada escena. Luego Liz se echa un noviete jovenzuelo con quien juega como la loba sin sentimientos que es y al que termina por dar patada para marcharse a Roma y disfrutar del placer de comer (tal cual). Allí se hace amiga de una sueca que hace el guiri en Italia como ella y le presenta a su profe de italiano y sus amigotes. Hasta aquí estupendo, la acumulación de tópicos insultantes sobre Europa (¡los italianos hablan con el cuerpo!) no es incompatible con escenas divertidas y un ritmo ameno.

Liz habría podido quedarse en Italia y cerrar una película imperfecta pero pasable. ¡Pero esta es una película de fases! ¡De recuperar las ganas de vivir! ¡Autoayuda al poder! Así que después de comer, toca rezar en la India... y echarlo todo por el retrete ―cinematográficamente hablando―. El cambio de escenario, personajes y temática (¿espiritualidad?) hacen que, desde este punto, la historia pierda el norte, la chispa y se deshinche como un globo. Ryan Murphy, ¿recordáis? Por lo visto, el formato no afecta a cómo degeneran sus productos y Come, reza, ama no es una excepción en sus poco más de dos horas, que terminan por sentirse como cuatro. Ah, haciendo caso del título, el fragmento final es el de "amar", claro...

Liz, el personaje interpretado por Julia Roberts, cae como una patada en la vejiga. Es infantil, caprichosa y profundamente egoísta; además, sus motivaciones no quedan claras en ningún momento. No se comprende por qué deja de querer a su marido ―aunque al ser un punto de partida, podemos pasarlo por alto, sobre todo cuando la verdadera incógnita es por qué él quiere a semejante petarda―, ni la supuesta profundidad de su rollito con el Bollycao, ni por qué, de sopetón, le da por creer en dios (esta es chunga), ni qué inspira en Richard Jenkins para que este abra su corazoncito de cascarrabias torturado, ni qué ve ella en Bardem que no viera en su marido ―ni qué ve Bardem en ella, again―, ni nada de nada. Cualquiera de las mujeres que puebla la película es más interesante que Liz Gilbert.

Por otra parte está el supuesto espíritu crítico del film (crítico con el conformismo y con los matrimonios concertados, esgrimiendo un feminismo muy mal entendido, una búsqueda necesaria del “yo” y del amor con mayúsculas, por citar algunos), que pasa tan de refilón y de forma tan frívola que toda aspiración a filosofar sobre las grandes cosas cae en saco roto. Es más, es demasiado fácil jugar a “busca el mensaje desviado” y enmarcar la película en el risible y repugnante género de “blanco más o menos cabrón visita el tercer mundo y su sorprendente e innato altruismo sin fronteras (propio de los blancos) dota a los necesitados (racialmente inferiores) de conocimiento, optimismo y un futuro mejor”. ¡Puagh!

¡Hasta luego, cocodrilo!

Acabo de pasarme tres pueblos, soy consciente de ello, pero puedo prometeros que la película da sobrados motivos para justificar lo escrito. Realmente no es TAN mala ―probablemente le concedería un suficiente raspado―, aunque intenta tocar tantas teclas de forma tan tosca que su caída en lo mediocre resulta inevitable. En el apartado positivo podemos destacar lo apetitosa que luce la comida, el tramo italiano, el “hasta luego, cocodrilo” del chamán Ketut (¿qué demonios dirá en V.O.?:p), y… no sé. ¿Ya está? Haceos un favor a vosotros mismos y no correspondáis a la sonrisa infinita de la Roberts.

¡Saludos!

Pd: James Franco va de bohemio, pero ¿va fumado de verdad?XD

Cortos: "The Walking Dead"

2010-09-27T01:01:00.000+02:00

Gracias a mis informadores, en este caso la imprescindible MacGuffin, a veces se descubren cosas como esta:

¡Menudo opening que tiene The Walking Dead! Pues no. O sí… es decir, que sí son unos créditos iniciales que le sientan como un guante a una serie que adapta un cómic de zombies, pero no son los oficiales. Esta obra de arte que acabáis de ver es la currada personal de un pro del diseño aficionado a las series de TV, Daniel Kanemoto, que alcanza nuevas de cotas de calidad en el ya de por sí sorprendente campo del fanvidding.

En sus propias palabras:

"I wondered what the opening titles to this terrifying new television show might look like… so I animated a spec title sequence using artwork ripped from the pages of the comic, originally illustrated by Charlie Adlard and Tony Moore. Just so there’s no confusion, I’m not affiliated with the production in any way — I’m simply a huge fan of both Frank Darabont and Robert Kirkman, and this is my attempt at creating a cinematic introduction to one of the all time great 'continuing stories of survival horror.'"

No sé cómo serán los créditos oficiales pero, si yo formara parte de la productora, no dudaría en ponerme en contacto ya mismo con Kanemoto para soltarle lo que pidiera.

¡Saludos!

Festival de Sitges 2010

2010-09-24T01:40:00.016+02:00

Luces… cámara… ¡acción! El 43º Festival de Cine de Sitges ha dado por fin el pistoletazo de salida con la publicación del listado de películas que formarán parte del certamen. Todavía no tenemos horarios definitivos, pero hasta la inauguración oficial del 7 de octubre podemos entretenernos con las decenas de trailers que hay a nuestra disposición para ir configurando una parrilla imaginaria (edición 26/09/10: la programación completa está disponible aquí).

Este parece el año de Donnie Yen, artista marcial que está en una forma espléndida a sus 47 añazos. Hace poco empezó a llegarme información sobre él (cosas de la red) y descubrí que se trata ni más menos que de Cielo, mi antagonista favorito en la bellísima Hero, de Zhang Yimou. En Sitges proyectarán dos de sus películas: 14 Blades y Legend of the Fist: The Legend of Chen Zhen. La primera es un drama de época, una mezcla de épica e historia de amor (nada ñoña, según sus responsables ;p); la segunda convierte a Yen en un vengador enmascarado en el Hong Kong de los años 20 ―tienen buena pinta, aunque la que de verdad me atrae de su filmografía es Ip Man. Feedback, anyone?―.

Ya que he mencionado a Yimou, estrena película: A woman, a gun and a noodle shop, refrito personal de Sangre Fácil, de los Coen. Esta útima no la he visto y la de Yimou la vería en función del precio de la entrada y de la tasa del alcohol en sangre. Ei, que quizá me equivoque, pero ved el trailer antes de tacharme de prejuicioso…

También pulula por ahí After Life, uno de esos trailers que (como a menudo pasa en Sitges) dan tanto rollo como risa: ¿Christina Ricci y ~~Qui Gon Jin~~ Liam Neeson pasado de rosca en un fantástico de terror? Merece nuestra atención, no digáis que no.

Otra de la que oí hablar hace tiempo es Notre Jour Viendra (Redheads), la primera incursión en el largo de un reputado director de videoclips. Vincent Cassel encabeza el reparto y tiene aire de dramón europeo angsty que puede estar muy bien... o ser un super truño.

Creo que faltan títulos por confirmar, pero no he visto por ningún lado la tercera del Rebuild of Evangelion. Lástima. Y el peliculón de anime anual, Welcome to the Space Show, es técnicamente impecable pero lo veo muy infantil… Demonios, esto me pasa por querer seguir viendo “dibujitos” con treinta tacos :p

Por comentar alguna más, pues mira, una española: Carne de Neón. El prota es Mario Casas, visto en Los Hombres de Paco ―os están entrando unas ganas tremendas, puedo verlo XD―. Coñas al margen, por fin veo un trailer que tienta sin contar demasiado.

Por supuesto, entre las candidatas tenemos lo nuevo de Kitano, de Takashi Miike (sorprendente, por cierto), una llamada Black Haven; otra, Red Nights… para gustos, colores: bienvenidos al Festival de Sitges ;>

¡Saludos!

Pd: viendo la última entrada del blog, me da por pensar que Machete habría sido un exitazo friki sin precedentes de haberse estrenado en Sitges.

Lo que se avecine: "Machete"

2010-09-17T12:25:00.006+02:00

No perdamos un segundo:

Ya le vale a Robert Rodriguez. Nos enchufa sin miramientos una de cal y una de arena. Se cree que somos idiotas y le vamos a financiar cualquier chorrada que le dé por filmar (igual que su amigote Quentin), aunque sea un refrito absurdo del falso trailer de Grindhouse. Madre mía, esa estética hortera, esa estela de movimiento que apesta, hasta alguna promo parece diseñada por un daltónico manco en Paint, pero... ¡Pero qué pintaza tiene Machete, tío!

Mola como el McDonalds o como los ganchitos: un empacho da vomitera, pero cada cierto tiempo no sienta mal o incluso apetece. Mola tener a Steven Seagal (¡Steven Seagal!). ¿He dicho que lleva una katana? ¡Seagal con katana! Joder, hermano, joder. Mola Jeff Fahey. Por fin alguien se ha acordado de lo cañero que podía haber sido Lapidus (¡Lapidus malote con pistolas es lo más!). Mola De Niro marcándose un pasote (otro); qué bien le sienta la edad al sentido del ridículo de este hombre. Mola mazo Jessica Alba. Por ser una gran acriz, claro. Con este papel se lleva el Oscar (fijo). Pero lo más molón de la muerte es Michelle Rodríguez; ¡esto es una hembra y lo demás son tonterías!

Y la verdad es que Danny Trejo me da lo mismo, lo veo minúsculo entre tanto gigante. Pero no le culpo: si te llama tu primo lejano y te ofrece el prota de una película de mierda que mola, ¿sabéis qué hay que hacer? Eres Danny Trejo: tienes que exclamar "¡¿has dicho el prota?!"

Machete, estreno el 1 de octubre. Solo en los mejores cines.

Cine: "Conocerás al hombre de tus sueños"

2010-09-12T16:48:00.009+02:00

JM es un escritor frustrado algo pedante que disfruta viendo series y películas en versión original, en especial las "de personajes", como el final de Lost. Esta vez, sin embargo, ha visto Conocerás al hombre de tus sueños en castellano; perezoso por naturaleza muy a su pesar, el poder de seducción de un multisalas a diez minutos de casa le resulta difícil de combatir. Y eso que el doblaje le pone de los nervios, como ha ocurrido esta vez con Josh Brolin, a quien han otorgado la voz habitual de Jack Black. Así está comentándolo con su amada Cosette en Le Petit Château, un espléndido restaurante del barrio alto...

―Pues a mí tampoco me ha molestado tanto lo de las voces... Pero va, que hablamos de Woody Allen, vayamos al grano: ¿película mayor o película menor?

―¡Pobre hombre! El tío se casca una peli al año, sin falta, y la gente espera que se saque peliculones de la chistera sin parar.

―¿Lo dices porque te parece menor? Mójate un poco, hombre. Sabes que al fin y al cabo lo hace porque quiere, porque le mantiene vivo o no sé qué historias. Y porque el tío puede, evidentemente, que haga lo que haga suele estar por encima de la media.

―Querrás decir si te gustan las comedietas ligeras, claro...

―Ojito, JM, que a veces se pone tremendo y convierte incluso a los infieles. Acuérdate de Match Point.

―La de Scarlett cañón, ¡cómo olvidarla! Aunque, ¿cuándo no está Scarlett cañón?

―...

―Pues eso. ¿Quién era el chico que salía? Bueno, qué más dará el chico si tienes a Scarlett cañón... Hasta esa yo le tenía por un gafapasta neurótico, y cosas peores también, tonto de mí. Y prejuicioso.

―Eso lo eres un rato, sí.

―Tú siempre tan aguda, Cos.

―Esa soy yo.

―Y mira, ahora veo algo suyo asomando la nariz y lo paso sin pensármelo hasta por delante de Nicholas Cage haciendo de brujo. Fíjate en cuánta consideración lo tengo.

―Capullo.

Se sonríen el uno al otro. Se entienden a la perfección y saben que están jugando, pero que el veredicto final es ineludible.

―A lo que íbamos, ¿mayor o menor?

―¿Te contesto en la ópera?

―Sublime idea.

Ineludible pero no inaplazable. JM y Cosette asisten a la ópera. Están radiantes. Los primeros planos de ellos con un brillo en los ojos, escuchando música emotiva, son plásticamente bellos... Y baratos: no enfocar a la orquesta, usar solo una docena de extras y alquilar los respectivos trajes de noche y esmoquin abarata los costes de producción una barbaridad. ¿Adónde se van los famosos quince millones, entonces?

―Me ha encantado.

―Ya te digo: Puccini. Es que somos de los más cool.

―Fuck yeah. Bueno, ¿qué, mayor o menor?

―Oh, sí... Espera, ¿eso es sinónimo de buena o mala? Porque You will meet a tall dark stranger no es mala.

―¡Qué inglés tan sexy, JM!

―Gracias, Cos. Siempre me lo dicen.
―De nada. Yo tampoco creo que sea mala, a veces a la crítica se le va la pinza. En realidad me he divertido.

―Y yo. Los tíos quedamos retratados.

―¡Anda que las tías quedamos bien!

―Es verdad. Pobrecilla, la hija... Con la coña, hasta he soportado a la madre. Lo de la falsa vidente que la manipula es un puntazo: "Crystal dice que patatín, Crystal dice que patatán", jajaja.

―Aunque es triste en el fondo.

―Tú siempre tan analítica, Cos.

―Lo digo en serio. Al fin y al cabo, de eso va la peli, ¿no? De cómo es la gente y de cómo al final tenemos lo que nos merecemos, para bien o para mal.

JM, algo obtuso además de perezoso, duda. Mas no olvida que lo que acaban de ver es una película de Woody Allen en la que "la justicia poética sobrevuela a unos personajes patéticamente humanos" ―o algo parecido leyó en una crítica de internet―.

―Sí, supongo que sí...

Cine: "Salt" y "Origen" ("Inception")

2010-09-10T03:03:00.021+02:00

Salt

Un buen día, Tarantino enfunda a Uma Thurman en el mítico chándal amarillo y negro de Bruce Lee y un colega te dice: "¡Cómo mola!". A lo que tú respondes: "Llevo veinte años viendo pelis de chinos que reparten yoyas y siempre has dicho que eran una mierda. Pero me alegro de que hayas cambiado de opinión".

Otro buen día, un tal Hayao Miyazaki gana el Oscar a mejor película de animación y el mismo colega te encuentra y opina que "¡Es buenísima, estos japos son la bomba!". A lo que tú, pacientemente, respondes: "Llevo veinte años viendo pelis de anime y nunca has querido ver ninguna. Las de Miyazaki tampoco. Pero me alegro de que hayas cambiado de opinión''.

Un tercer buen día, Angelina Jolie protagoniza una película de acción y resulta que es la repanocha, "la hostia en vinagre", como diría Jimmy el Santo. Ahora no te alegras porque es la crítica y no tu amigo la que está mojando las bragas del gusto. La misma crítica que vapulea sin compasión este tipo de cintas mes tras mes, la misma que en el mejor de los casos concede que "lo pasas bien aunque en el fondo sea una estupidez", la misma que puso a Equilibrium con el culo mirando a Cuenca, con la que Salt comparte guionista ―el mismo también de Ultraviolet, para hacer una triangulación del mal― y una dosis alta de surrealismo. Ei, pero Salt es buena.

Pues vale.

Se dice de Salt que es los ovarios de Jason Bourne. Quien lo haya dicho no ha visto o no se acuerda de esa magnífica saga, está claro, porque se encuentran a años luz la una de la otra. En Cinemania, comentan que criticar a Salt por ser absurda es como criticar que Superman vuele. No estoy de acuerdo: enmarcarse en el género de espías o de acción no implica necesariamente rodearse del absurdo de forma gratuita ―si bien la existencia del agente 007 facilita la asociación―.

Aunque Jolie se lo curra, con esas pintas de esqueleto andante cuesta creérsela repartiendo leña a tíos que la doblan en tamaño, pero bueno, ojalá eso fuera lo más preocupante... La pifia es el guión, mis queridos cuatro lectores, que ni por casualidad soportaría un revisionado (y eso que no lo ha escrito Shyamalan ;p). Supongo que los críticos solo se han fijado en la solvencia de Angelina Jolie y Liev Schreiver y les conceden inmunidad ante las tonterías que sus personajes hacen y dicen en pantalla. Jolies, Schreivers o Ejiofores, me opongo a medir Salt por un un rasero distinto al que usaría si el protagonista fuese Steven Seagal. Y no sé por qué me ha venido a la cabeza True Blood... en fin. Lo que termina de joder es, encima, ir leyendo por ahí que entre mamporro y mamporro asistimos a una profunda reflexión sobre la identidad, cuando en realidad Salt se parece a Knight and Day más de lo que quisiera.

Origen (Inception)

Con Batman Begins, Christopher Nolan se ganó el beneplácito de la comunidad friki... y la maldición correspondiente: cada cosa que hace está en el punto de mira desde la fase de preproducción y se crean opiniones mucho antes de que llegue la película a las pantallas. Por ejemplo, Inception me tenía mosqueado por los puntos en común con El Caballero Oscuro (hype por las nubes, metraje generoso, temática pretenciosa) y mis tremendas ganas de verla se mezclaban con la certeza de que iba a gustarme pero le encontraría algún gran "pero". Afortunadamente me equivoqué e Inception ha sido una película distinta a como la imaginaba pero igualmente grande, de las mejores del año (lo bueno de las ideas preconcebidas es que no tienen fundamento real :p).

Podría decirse que la mayoría de flipadas están en los dos minutos del trailer, así que el previsible festival digital dejó paso a acción de corte clásico (lo fantástico es el contexto, a excepción de la magnífica secuencia del hotel), hecho que aporta seriedad al conjunto. Por otra parte, los actores están cocidos al punto. La elección de DiCaprio como Dom Cobb, atormentado cabecilla del grupo que intenta alejar y proteger a aquellos que confían en él de sus demonios interiores, es tan inesperada como aplaudible. Ellen Page da ternura y fuerza a Ariadne, papel que en otras manos podría haber quedado forzado, y Arthur (Joseph Gordon-Levitt), mano derecha de Cobb, se erige en estandarte del coolismo y la elegancia ―el tío va hecho un pincel hasta peleando en infragraveda―; me impresionó cómo ambos sugieren tanto con tan poco. No nos olvidemos de Marion Cotillard (Mal) o Ken Watanabe (Saito), entre otros, y por ahí también anda Michael Caine, con quien siempre apetece compartir unos fotogramas. Como podéis ver, el casting no tiene desperdicio.

En cuanto a temática, Inception es una vuelta de tuerca fantástica a los ladrones de guante blanco: el objetivo casi imposible, montar el equipo, elaborar el plan, el problema inesperado (o no tan inesperado, mi buen Cobb) y... tendréis que verla para saber si la misión tiene éxito o no ;). La lógica que sustenta el plan se explica al principio, cuando aún no hemos sintonizado bien la antena que separa la paja de lo relevante. Todo esto exige un revisionado (el mismo que hundiría a Salt aún más en la miseria) para captar todos los detalles y contrastar ese par de datos que la primera vez se nos escapan, así como disfrutar de los momentazos: la citada secuencia del hotel o la primera visita de Ariadne al mundo de los sueños como arquitecta, por ejemplo, consiguen dejarnos con la boca abierta.

A falta de darle vueltas y discutirla a fondo, creo que nos encontramos ante una película compleja, densa, tal vez algo alargada en su tramo final de acción, visualmente tramposa a ratos (el limbo de Dom y Mal) o incluso, poniéndonos tontos, ridícula (¿"mente militarizada", seriously?XD). No obstante, son tantas sus virtudes y está tan trufada de detallazos como este que la valía de la experiencia queda garantizada. ¡No os la perdáis!

Para finalizar, os dejo con dos carteles de Inception con estilo retro y minimalista. No sé si son oficiales o son de aficionados; tanto da: son una pasada.

¡Saludos!

pd: Blogger es sencillamente terrorífico para editar. Hoy tenía el día tonto y he hecho lo que he podido con él...:'(

Música, maestro (III)

2010-08-10T23:43:00.006+02:00

Colgar dos entradas el mismo día solo puede significar una cosa: mil cosas por hacer y mi cerebro carburando en la dirección contraria XD.

"Love the way you lie", el primer vídeoclip de hoy, tiene música (obvio) y algo de cine y series, los tres pilares de este blog. De la música se encargan Rihanna y Eminem, que también ha hecho sus pinitos en el cine, donde Megan Fox se ha hecho de oro en un par de años (así y decorando paredes para machos XD) y donde Dominic Monaghan ha dado vida a Meriadoc Brandigamo, aunque su papel más famoso sea el enorme Charlie de Lost.

El vídeo me ha llamado la atención porque suena bien y por lo realista y crudo de sus imágenes, que acompañan a un mensaje confuso cuando menos. ¿Estamos fomentando las relaciones turbulentas, mi querido letrista? Eso, las letras, no os las perdáis o solo veréis un vídeo bonito.

Y ahora nos metemos al trapo con las series y uno de los finales más polémicos de los últimos años. No, condenada Lost, no vamos a hablar siempre de ti, que tampoco hay que quitarle el mérito a Battlestar Galactica (merecida medallista de plata en el noble arte de cagarla sin mesura). Cos me ha enseñado esta tarde cómo con una técnica de montaje envidiable y una cucharadita de bilis reconcentrada alguien le puede pegar una colleja a Ron Moore con elegancia.

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¡Saludos!

Cine: "Mr Nobody", "Noche y Día", "Eclipse", "Air Doll" y "Prince of Persia"

2010-08-10T12:51:00.012+02:00

Las posibles vidas de Mr Nobody (Mr Nobody)

A sus 118 años, Nemo Nobody es el último ser humano que vivirá una muerte mortal en una sociedad futurista donde los avances sanitarios garantizan una vida casi eterna. Antes de morir, Mr Nobody recuerda su vida desde incluso antes nacer ―por extraño que esto suene―, pero su narración está llena de extravagancias e incoherencias... ¿o de increíbles posibilidades?

Mr Nobody es una coproducción europea protagonizada por Jared Leto, Diane Kruger, Sarah Polley y el desconocido Toby Regbo, versión emo-adolescente de Leto (bastante emo en sí mismo, todo sea dicho ;p), a quien rindo humilde homenaje porque no le mencionan por ningún lado y sobre sus hombros recae la mitad del metraje.

La cinta coquetea con mayor o menor acierto con la ciencia ficción (impecables FX), la ciencia (a secas), el realismo mágico, el surrealismo y el existencialismo para contarnos una historia críptica en la forma pero insultantemente simple en el fondo, pues el propósito final de Mr Nobody es contarnos una historia de amor de un modo tan inusual (y gratuito) como el nombre del protagonista.

Mr Nobody tiene los bastantes puntos de interés como para plantearse el pasarle por alto la sensación de relativa tomadura de pelo que deja al final ―lo cual habla en favor del conjunto, sobre todo con lo sensible que estoy al respecto desde el reciente y fatídico Lostión―. Aún estoy intentando decidir si me gustó o no, menos mal que aquí no se puntúa... ñ_ñU

Noche y Día (Knight & Day)

Hay dos formas de acercarse a Noche y Día: con neurona o sin ella. Usando la cabeza nos parecerá una soberana tontería interpretada con piloto automático justito, resintiéndose de una química de pareja cuestionable entre Tom Cruise y Cameron Díaz, plagada de tópicos, previsible y, para colmo, erratas culturales (sanfermines en Sevilla, con dos cojones). Sin neurona nos parecerá exactamente lo mismo, solo que además lo pasaremos bien viendo a tito Tom parodiar con gracia a su famoso Ethan Hunt y a Cameron sacarle jugo a su inocentona damisela en apuros.

Los primeros tres cuartos de hora son muy divertidos (las escenas en que él la droga generan elipsis de acción impagables) y, una vez superados el enérgico arranque y la asimilación del concepto, mantiene el tipo con dignidad.

Para bien y para mal, Noche y Día es una película deliberadamente ligera. Nunca se toma demasiado en serio a sí misma pero tampoco se atreve a desmelenarse y ser "Misión Imposible 33 1/3", una lástima teniendo en cuenta el buen nivel que muestra cuando el absurdo hiperbólico se apodera de la acción.

Aunque su referente inmediato parezca Sra y Sra Smith, a mí me recuerda más a la propuesta de Mentiras Arriesgadas, pero sin llegar a la brillantez autoparódica de Chuache ―aquí el chiste siempre es "con" Cruise, no "de" Cruise― ni a la gracia natural de Jamie Lee Curtis. Noche y Día no debería de engañar a nadie salvo al que no sepa lo que va a ver: un competente vehículo de desconexión para gloria y lucimiento de su pareja protagonista.

Eclipse

Tercera entrega de la saga vampírica más ~~casposa famosa lamentable~~ adolescente de todos los tiempos: ¡Crepusculón!XD ¿Qué voy a contaros? Estaba ahí con tres de vosotros, mis amados cuatro lectores (creo que ya sois seis ;p). Fuimos para reírnos de la película y, ¡demonios!, ni eso le sacamos esta vez.

El visionado de Eclipse se hace eterno y no regala un recital de escenas ridículas para la posteridad como hacían sus predecesoras (excepto esa grandísima tienda de campaña ^_^). De hecho, Taylor Lautner me parece un encanto de niño y The Pattinson hasta está empezando a caerme bien... (me hago viejo, coño). Como me da una pereza tremenda hacer una "crítica" de las monerías de Bella y Edward, os dejo con la esencia de la cinta en formato de trailer (impagable a partir del 1'10'' XD).

pd: la secuencia de apertura parece la de una película decente, igual que en la primera entrega. Luego la cosa se viene abajo, claro (los neófitos no valen para nada, Victoria tampoco y los Vulturi parecen un injerto chungo).

pd2: lo de que los vampiros se cristalicen al morir o al perder un miembro, en cambio, es molón aunque no venga a cuento. Le da un aire a los estallidos de ceniza con cráneo y columna colgando de Blade.

Air Doll

Uno siempre queda genial cuando confiesa entre cuellos de cisne y gafas de pasta que se siente fascinado por el tempo pausado pero implacable del cine asiático. ¡Oh, Wong Kar-wai! ¡Oh, Kim Ki-duk y Park Chan-wook! ¡Oh, Hirokazu Koreeda... No, espera, este no (los anteriores sí, que conste), que por su maldita culpa y el hype que le acompaña desde Nobody Knows me tragué la historia de su puñetera muñeca hinchable que cobra vida y, ¡oh, pobre!, conoce el amor y, claro, el sufrimiento. Me toca la moral que me den gato por liebre y Air Doll, salvo por dos escenas (literalmente), es tan soporífera y olvidable como en su día lo fue Cafe Lumiere. Avisados estáis.

Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo

Aunque recuerdo al monigote en pijama blanco cuya animación quitaba el hipo en los 80, la estética de personajes y decorados está claramente inspirada en los títulos más recientes de la saga. De uno de ellos toma el subtítulo, "Las arenas del tiempo", y no sé si toma algo más porque mi incultura en temas consoleros es total (vamos, que no pillé referencias ni guiños).

A priori, Jake Gyllenhaal no se presentaba como el candidato más firme para el papel de Dastan (aquí le han puesto nombre); después de verlo en acción, currándose las escenas de peligro, hecho un armario y sugiriendo algo más que los típicos "acelga-man", la verdad es que no se puede sino aplaudir la elección. Su química con la bella Gemma Arterton es otro de los grandes aciertos de la cinta, y de entre los secundarios me gustaría destacar a Alfred Molina, que se marca los mejores one-liners del guión.

Prince of Persia se molesta en hilvanar una trama coherente y bien narrada, accesible a los no iniciados y mostrando en todo momento una absoluta falta de pretensiones. El resultado es una cinta de aventuras sólida, sazonada con pizcas de humor que la convierten en un producto recomendable para toda la familia, como Disney manda.

¡Saludos!